ROJO 5 masa crítica

 

ROJO 5

 

MASA CRÍTICA

 

AUTOEDITADO  --  MAYO 2018

 

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@pakitoserrano

Masa Crítica es el nombre elegido para el primer larga duración del trío toledano Rojo 5. El álbum ha sido grabado en los Estudios 51 de Toledo con Iván Ibañez y producido y editado por la propia banda, lo que les ha dado libertad total a la hora de componer y gestionar toda la creación del disco. El resultado es todo un manual de hard-rock en castellano al que Rojo 5 ha añadido varias páginas adicionales con toques de estilos hermanos como el metal o el hardcore, que tan bien conocen sus componentes, y elementos melódicos y arreglos propios de grandes productores que multiplican las posibilidades de las canciones. Con una potente carga lírica, las letras de este Masa Crítica son toda una llamada de atención a la anestesiada sociedad actual, abordando temas transcendentales y de pura actualidad como la lucha contra la clase dominante o la voracidad e inhumanidad del sistema capitalista. El sonido que los toledanos entregan resulta claro y contundente, fruto de muchas horas de trabajo y reflejo de sus directos: guitarras afiladas, bajos perfectamente perfilado e inmensos tombs de batería que unidos generan una descarga de energía que recorre tu cuerpo como una descarga eléctrica. Además han contado con la inestimable colaboración de Kantz (cantante de De La Cuna a La Tumba, Temple o De Lobos) para convertir “La Bestia” en un incombustible hit.

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COOPER Tiempo, Temperatura y Agitación

 

COOPER

 

TIMPO, TEMPERATURA Y AGITACIÓN

 

ELEFANT RECORDS  --  MAYO 2018

 

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Ángel Valtueña

“Tiempo, Temperatura y Agitación”, conceptos relacionados con el revelado fotográfico, es el título del último trabajo de Cooper donde el leonés fotografía ciudades, viajes, personas, etc. Alex Diez se siente cómodo haciendo singles, al más puro estilo clásico británico, y este trabajo es fiel reflejo de eso, un conjunto de claros singles acompañados de algunos medios tiempos, que cada vez domina mejor, y alguna otra composición que nos descuadra un poco. El ex líder de Los Flechazos refleja en este larga duración letras positivas y estribillos pop que acompañados de metales nos dan un espíritu soul que inunda algunos de los temas más destacados. El disco parte de una melancólica “El último tren” enriquecida con unos vientos que engrandecen la voz más genuina de la escena mod española y que deja paso a tres canciones, dignas de entrar en el setlist de sus directos, “Salto”, “Ya Llegó El Verano” y “Graciela”, son temas en los que el pop más optimista de guitarras veloces y melódicas (salvo la distorsionada “Graciela”) se unen a metales y estribillos que apuntan claramente a próximos singles. El quinto corte, “Luz”, viene a mostrar que el leonés domina, y se gusta cada vez más, los medios tiempos. “Islandia”, un diario de viaje a modo de grito liberador suavemente acompañado de vientos que contrastan con una voz enérgica, nos traslada a “Infinito”, primer single y fotografía musical de la ciudad de Barcelona, y a “Provisional”, powerpop agitado con metales soul, probablemente la mejor canción del álbum. Las dos últimas fotos de este trabajo nos dejan fríos, como el título del primero de estos cortes, “Dos grados bajo cero”, corte pesimista y repetitivo, inusualmente largo para Cooper, que rompe la línea del disco, y “Telarañas”, tema excesivamente melancólico y lento, con buen juego de cuerdas sobre una gran letra que nos habla de la necesidad de recordar (pero no esta canción).

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YO LA TENGO There's a riot going on

 

YO LA TENGO

 

THERE’S A RIOT GOING ON

 

MATADOR RECORDS  --  MARZO 2018

 

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Santi Hernández

En algún momento hemos comprado un huevo kínder a un niño aceptando la premisa de ser un objeto (no se le puede llamar chocolatina ya que apenas trae chocolate) encarecido por traer otro objeto en su interior realmente inservible. Visto así, es incomprensible cómo puede haber sobrevivido el cambio de milenio y no haber corrido la misma suerte que los caramelos pez, los cuales no han disfrutado de un glorioso renacer. Debe ser el efecto sorpresa que alberga en su interior. Hay que abrirlo (sin que salga volando) y montar cada una de las piezas y pegar cada una de sus pegatinas con mayor o menor maestría. Después de haberlo montado, debe sortear dos  propósitos: el de acabar en el cubo de la bas… reciclaje, o bien en un lugar destacado en la casa durante un tiempo, siempre, limitado. Ahora YLT han publicado “There’s a riot going on”. Título que podría hacer pensar que han desempolvado los viejos pedales y se han enfundado el mono de trabajo para hacer rugir los amplis como antaño. (Ya has comprado el objeto kínder). Aunque no sea a así, las seis primeras canciones suenan a lo que se espera del sonido YLT. Incluso en “For you too” ruge la línea de bajo como solo el grupo sabe hacer (Estás saboreando los últimos trozos del chocolate) para sumergirte en un buen tema. Dos canciones más (en los que te dispones a abrir el huevito amarillo) con la expectativa de averiguar por qué derroteros seguirá el disco. La cosa va languideciendo siendo “Polynesia #1” el punto de inflexión. A partir de ahí puedes desmenuzar el disco para encontrar temas con estructura menos evidente y experimental como ya hicieron en “And then nothing turned itself inside-out” o “The sounds of sounds of science”. Entonces ya no sabes si volver a escuchar el disco por si no le has cogido el truco o es que hace tiempo decidiste que ese lado de Yo La Tengo no te gusta, así, sin más. Ni que decir tiene que ahora que has armado el artilugio que viene en el huevo es decisión propia qué hacer con ello y cuál es el fin del objeto, como con el disco nuevo disco de Yo La Tengo.

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ARCTIC MONKEYS Tranquility Base Hotel & Casino

 

ARCTIC MONKEYS

 

TRANQUILITY BASE HOTEL & CASINO

 

DOMINO RECORDS  --  MAYO 2018

 

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@pakitoserrano

Encerrado durante días, sentado junto a su piano, solo, con la única compañía de la música vintage que suena en sus altavoces; así imagino a Alex Turner componiendo este Tranquility Base Hotel & Casino, primer álbum en solitario del cantante…, quiero decir, sexto álbum de los Arctic Monkeys. El bloqueo artístico y creativo de Turner ha desembocado en un álbum conceptual, mono-tono, en el que el piano y las letras son los grandes protagonistas y que podría haber cuadrado de manera más lógica bajo las siglas TLSP o como un álbum en solitario. Totalmente alejado del estilo de una banda con el bagaje histórico de los Arctic, a pesar, de que durante su trayectoria nunca se han repetido, este disco resulta un salto de madurez extremo en la creciente evolución de los de Sheffield y nos acerca más al rumor de que pueda ser el último del grupo. Sin un single previo, ninguna canción destaca sobre el resto haciendo imposible el entendimiento del disco sin la valoración al conjunto. Como si de una banda sonora se tratase, el disco necesita de muchas escuchas y será muy difícil de digerir para los que esperábamos con ansia una continuación del magnífico “AM” (Domino Records, 2013); sin embargo, resultará una delicia para los seguidores de Father John Misty o del último Nick Cave. El acompañamiento de los otros tres componentes de Arctic Monkeys se disuelve hasta lo atmosférico, para así destacar la voz de Turner, totalmente sumergido en su papel de crooner, y poner más énfasis en sus enrevesados textos, ambientados en un futuro decadente. Entre los onces temas, los ritmos más rápidos no superan el medio tiempo y los estribillos brillan por su ausencia, lo que hará que apenas tengan peso en los setlist de la próxima gira. La grabación y la producción mantienen su gran nivel habitual, gracias al trabajo de James Ford y las colaboraciones de miembros de bandas como Tame Impala, Mini Mansions y Klaxons. Aunque este LP no vaya a girar demasiadas veces en mi tocadiscos y me resulte extraño de encuadrar en la discografía de los Arctic, con este Tranquility Alex Turner nos vuelve a demostrar su total independencia compositiva y su valentía para conseguir que su música evolucione junto a él, sin imposiciones o presiones enfrentándose, cierto que desde una posición privilegiada, a esta industria musical de consumo inmediato y trabajos repetitivos.

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TRIANGULO DE AMOR BIZARRO el gatopardo

 

TRIÁNGULO

DE AMOR BIZARRO

 

EL GATOPARDO

 

MUSHROOM PILLOW  --  MARZO 2018

 

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@pakitoserrano

El Gatopardo, un vinilo edición limitada de cuatro canciones, supone la publicación de nuevo material de Triángulo de Amor Bizarro desde el excepcional LP “Salve Discordia” (Mushroom Pillow, 2016). Con este EP los gallegos confirman su estado de gracia compositivo e instrumental, estado que pudimos corroborar en directo hace unos días en la presentación de este nuevo trabajo. Más comprometidos y libres que nunca, la importancia de sus crípticas letras y por tanto de sus voces sigue creciendo; esta vez se cargan de crítica social y política, valiéndose de referencias históricas para desenmascarar la cruda y turbadora realidad actual de nuestro país. “O Isa”, el tema que abre este EP podría catalogarse como pildorazo de punk-medieval, rabioso y martilleante cual ariete, “Les llevaré mi cruz” es un himno instantáneo, potente shoegaze ejecutado a toda velocidad, “Ciudadanos” tiene el encanto de ser la canción más pop de la carrera de TAB y “El Gatopardo”, que bautiza al EP es una contenida puñalada post-rock directa al corazón del sistema capitalista. Sin duda uno de los mejores trabajos de TAB.

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ELE what night hides

 

ELE

 

WHITE NIGHT HIDES

 

ALTAFONTE-ARCADIA MUSIC  --  ABRIL 2018

 

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@pakitoserrano

“What Night Hides” es el segundo largo de ELE, la banda de la cantante, pianista y compositora Elena Iturrieta. Grabado en los míticos estudios Abbey Road de Londres, el disco supone un significativo salto de calidad en medios y producción respecto a su sorprendente y exitoso debut “Summer Rain” (Arcadia Music, 2015). “What Night Hides” lo componen doce temas que mantienen el gran nivel compositivo de la madrileña y su envidiable facilidad para abordar diferentes registros de una manera íntima y personal. Soul, R&B, góspel y folk se mezclan de manera sensible y elegante, envueltos en una atmósfera nocturna, con la potente voz de Ele como firme amalgama. Como muestra del esfuerzo compositivo de la cantante el disco lo cierran una enérgica canción grabada en directo en el propio estudio, una deliciosa nana y un tema instrumental. Durante su gira, especialmente diseñada para disfrutar en teatros, la banda la completarán una sección de cuerdas y un pequeño coro de góspel, que convertirán cada concierto en una experiencia única.

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RIDE tomorrow's shore

 

RIDE

 

TOMORROW’S SHORE

 

WICHITA RECORDS  --  FEBRERO 2018

 

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Santi Hernández

La vuelta de RIDE ha sido todo un éxito para la banda y, lo que inició “Weather Diaries”, ahora ve su permanencia con estas cuatro canciones que conforma “Tomorrow’s Shore”. De hecho, este EP no hacen sino corroborar el buen estado de forma de la banda británica. Estas cuatro canciones no van a desencantar a nadie, ni a los seguidores de antaño ni a los que han convencido con la propuesta del nuevo siglo.  Personalmente, me ha encantado “Pulsar” desde el primer momento que la escuché. Esa canción destila la esencia del sonido original de la banda. Sencilla, intensa y al grano. Tanto que se me queda corta, acaba cuando deberían empezar otros dos minutos de muralla sónica atronadora. Las otras dos canciones que siguen me han recordado al denostado “Carnival of Light”. Si hubieran tratado las canciones de aquel álbum como en este EP quizá habría corrido mejor suerte. En definitiva, el EP parece recoger la sensaciones de la larga gira en la que se embarcaron cuando editaron su último disco el año pasado. Da la sensación de que van a quedarse bastante tiempo entre nosotros y este EP parece apuntar al sonido que pueda venir en un siguiente disco.

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MUNTZ pneuma

 

MUNTZ

 

PNEUMA

 

AUTOEDITADO  --  ABRIL 2018

 

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María Coki

Álvaro, Carlos y Alfonso ya pasean por “La Castelar” con su nuevo ep “Pneuma” bajo del brazo. En este hemos podido encontrar 5 nuevas canciones de indie Rock, en las que podemos apreciar la influencia de grupos como Muse, Radiohead o Nirvana. Es la elección de estos maestros la que hace que el grupo adquiera un sonido contundente y diferenciable. El orden de presentación de los temas es el mismo que el de su composición, y como toque distintivo la forma de ensamblarlos, ya que cada uno de ellos toma continuidad del anterior, lo que hace que adquiera carácter unitario. La unión de estos dos aspectos hace que el disco nos esté contando una historia. Consiguen envolvernos, transmitirnos sus sentimientos y aislarnos del mundo para atraparnos en la atmosfera Muntz. “Syrocco” fue la primera píldora que nos ofrecieron los alcazareños y como todo buen single podéis ver su video en diversas plataformas digitales. Pneuma no es la evolución de su segundo trabajo “The Autocrat” sino de su primer trabajo “Hypna”. Un trabajo de calidad y propuesto de una manera original que hace que esperemos de estos chicos grandes logros. Esperamos poder escucharlos pronto en directo.

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MORGAN air

 

MORGAN

 

AIR

 

NORTH RECORDS  --  MARZO 2018

 

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María Cabello

“AIR” el segundo disco de la banda madrileña Morgan es un viaje que no quieres que se acabe nunca. Compuesto en su mayor parte durante la extensa gira de “North” y grabado entre octubre de 2017 y febrero de 2018 en los estudios Black Betty con la producción de Jose Nortés, “Air” llega para confirmarnos que la de Nina, vocalista de Morgan, es una de las mejores voces del panorama musical español. Aunque no solo ella, la banda compuesta por Paco López a la guitarra, Ekain Elorza a la batería, Alejandro Ovejero al bajo y David Schulthess a los teclados nos hacen adentrarnos por lo mejor del folk-rock americano con canciones como “Oh Oh” “Flying Peacefully” o “The child”. “Sargento de hierro”, el único corte en castellano, tiene todas las papeletas para hacer que se nos salten las lágrimas en los directos. El disco se cierra de forma épica con “Marry you”, demostrando que Morgan es capaz de esto y mucho más. Ese “mucho más”, lo pudimos comprobar el martes 27 de Marzo, los privilegiados que pudimos asistir al showcase acústico que ofrecieron en la azotea de Emotion Technologies en Barcelona. Donde Nina y Paco, nos confirmaron que “Air” es uno de los discos del año; además de regalarnos un par de temas de su anterior trabajo y dejarnos con las ganas de escuchar a la banda al completo en directo.

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BURRITO PANZA un nuevo frente frio

 

BURRITO PANZA

 

UN NUEVO FRENTE FRÍO

 

EL GENIO EQUIVOCADO  --  ENERO 2018

 

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Santi Hernández

Burrito Panza lo han vuelto a hacer. Carlos Cuevas, José Manuel Mora, Carlos Flan y Rafa Caballero junto con Paco Loco a la producción han sacado un estupendo disco que debe hacer las delicias de todo aquel que haya vivido el indie patrio noventudo en general y, en particular, el que sabe a estepa albaceteña. Este “Un nuevo frente frío” trae 11 gemas. Cada una pulida, trabajada, colocada, estructurada y pensada hasta el último detalle. No hay prisa en escuchar el disco: no defrauda prestar atención a cada arreglo de teclado/sinte, prestarle atención a lo que consigue cada guitarra congelada en una distorsión de evolución interminable. ¿Quién quiere escuchar voces de Operación Triunfo si puedes cantar y ecualizar tu voz como han conseguido hacer en todas las canciones? Mención especial al bajo, acompañamientos imposibles e imprescindibles para que todo tenga coherencia. Ojalá ocurra. Este proyecto musical tiene que durar. Ojalá éste no sea el último disco y podamos seguir escuchando canciones tan pegadizas como “Entrañable y Lamentable”, interminables y ensordecedores finales como en “La maldita esquina” que hagan de “Una farmacia abandonada” un delicioso contrapunto y conclusiones de disco como el que propone el trío “Barcelona-Saudade47-Odio a mi jefe” . No obstante, a pesar de que no pretenden negar el origen de su sonido, este nuevo trabajo de Burrito Panza no suena a revival de un tiempo pasado. Es la versión actual mejorada del sonido de Albacete para oídos exquisitos difíciles de conformar con las rabiosas novedades del panorama actual.

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IZAL autoterapia

 

IZAL

 

AUTOTERAPIA

 

HOOK EDICIONES MUSICALES  --  MARZO 2018

 

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Fernando Tello

El disco de Izal es maravilloso, que grandes canciones han realizado estos chicos que hace unos años no eran escuchados por nadie y en poco tiempo han llegado a llenar pabellones de teenagers y alguno más que ya no es tan joven. Ese es el comienzo de un crítica que no puedo hacer, pero que quizás sea lo que la industria demanda, lo que consigue clics y me gusta en redes. A mi Izal me gusta, bueno, miento, me gustaba. Me agradó su primer trabajo, “Magia y Efectos Especiales” (Hook Ediciones, 2012), con canciones frescas, pero hasta ahí llegó el agrado. Quizás del segundo se salva algún corte. El tercero es igual al segundo y además se iguala a si mismo canción a canción. Entras en bucle y ya no sabes que escuchas. Y llegamos al mainstream. Esto no es indie. No es independencia. Es lo mismo repetido. Es el parecerse a grupos grandes sin conseguir llegar a su sombra. Es meter un violín porque mola, o eso creo. Es meter un efecto con una maquinita que es flipante y me he comprado nueva. Es falta de riesgo. Es falta de mucho riesgo. Es vivir en la comodidad. Es falta de sentimiento. Es “Autoterapia”, un disco totalmente prescindible. Que no aporta nada, que no llega a ningún sitio, pero que si que parte de la necesidad de hacer los conciertos con sube y baja, con cantos vocales para que todos coreen y que no tiene mucho en lo que apoyarse. Y hasta ellos en sus entrevistas confiesan que saben los que les funciona y lo usan. Un músico tiene que explorar, evolucionar, es fundamental, porque el modelo se agota. A Izal le toca renovarse o morir. El éxito está asegurado, pero también Operación Triunfo es un éxito y sigo pensando que si OT es lo más vendido en un país, eso dice poco de la cultura musical que seguimos teniendo.

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LOS INVADERS take me home ep

 

LOS INVADERS

 

TAKE ME HOME EP

 

CIUDAD OASIS  --  ENERO 2018

 

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Fran González

¡A mover el culo! Sin duda alguna, los bailecitos a los que estamos acostumbrados aquellos que deambulamos a altas horas en los festivales veraniegos, tenemos una nueva motivación. Estos chicos se lo merecen y saltándose nuestra sección "Emergen" os presentamos ‘Take me home’ el que es el primer Ep del grupo valenciano "Los Invaders". Su autodenominado ‘rock del futuroʼ o ‘rock espacialʼ busca alejarse del indie más actual, especialmente del español, influenciados principalmente por grupos como Kasabian, Muse, Biffy Clyro, The Prodigy, Chemical Brothers o Vitalic entre otros. Este primer trabajo se caracteriza por una instrumentalización de guitarras rotas y un bajo pesado y sintetizado, aunados mediante baterías directas y contundentes. Siete cortes que forman un híbrido entre lo acústico y lo electrónico donde sus integrantes, (Miguel Angel, Angel, Jose Manuel Bosca y Borja Al-Hoch) marcan un sello de identidad de contrastes dinámicos y oscuros, acordes poderosos y riffs de notas graves. Anotar que el Ep se grabó en Madrid, en el estudio Fluxus de la mano de Pau Paredes. Una abducción contundente de lo que hablamos es "I Wish I Was in your Head" vídeo clip que os dejamos, AQUÍ, aunque podéis disfrutar de la obra completa en las plataformas digitales. No seáis los últimos en enteraros de la invasión que nos acecha.

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MGMT little dark age

 

MGMT

 

LITTLE DARK AGE

 

COLUMBIA RECORDS  --  FEBRERO 2018

 

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Santi Hernández

Debe ser complicado permanecer en la primera división de "temazos memorables". Eso es solo para los elegidos y tocados por la varita mágica del ingenio. Tristemente, se puede aseverar que entre ellos no están MGMT. Entonces, puestos a dejar como (inolvidable) anécdota a "Kids", tendremos que aceptar que "Time to Pretend" hizo dos cosas. La una, y más evidente, es que anunciaba el perecedero hedonismo de la juventud con perspectiva de la adultez; y la dos es que nos hicieron creer que ese tipo de temas iban a ser marca de la casa. Nada más lejos de la realidad. Todo el disco era raro, pero preciso. Algo hacía que sonara concreto y bueno. Se veía una clara declaración de intenciones. Era el momento de hacer creer que sabían manejarse en esos términos. MGMT se han dedicado a ser raros y a desconcertar. Cualquiera de los discos posteriores no eran otra cosa que reminiscencias al “Oracular Spectacular” por un lado y el culto a lo impredecible por el otro. Supongo que habrá sido la presión de toda la industria discográfica que hay detrás de ellos quien le haya pedido que hagan, de una vez por todas, otro himno como se les espera (y por lo que fueron contratados). Little Dark Age, aunque es un buen intento, no llega a conseguirlo. “She Works too Much”, tema de apertura, parece preparar el terreno para un disco alegre y disfrutable a pesar de que los temas se acaban desinflando un poco. Pero... de repente, llega “Me and Michael” y “TSLAMP”. Y tuerces el gesto y miras alrededor, como si el Delorean te hubiera dejado en 1985. “James” parece devolver la cordura al disco con un sonido espacial y un susurro de voz. Para mí, una de las mejores canciones del disco. Lo que viene a continuación es la parte en la que MGMT se reivindican como grupo impredecible y ya no sabes dónde estás y ni siquiera si te están gustando las canciones. En definitiva, “Little Dark Age” parece hacer eso, llevarnos a una edad oscura donde, brevemente, todo se mezcla y confunde. Eso sí, recuerda a tantas otras canciones que acabas por canturrear otras canciones de otros grupos. Si nos juntamos y charlamos, comentamos cuáles son.

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LA PLATA desorden

 

LA PLATA

 

DESORDEN

 

SONIDO MUCHACHO  --  MARZO 2018

 

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@pakitoserrano

Voy a ser simple, el primer largo de La Plata es un jodido discazo. No hay más. El lanzamiento de su brillante EP “Un atasco” en febrero de 2017 fue una maravillosa carta de presentación de los valencianos que he devorado una y otra vez, fantaseando con lo que estaba por llegar. La espera se ha hecho larga. Y lo que por fin nos llega son diez canciones directas, interpretadas a toda velocidad, llenas de descaro, rabia y energía, cargadas de melodías que inundan tu cabeza hasta adueñarse de ella. Con el excelente trabajo a la producción del célebre Carlos Hernández, el disco adquiere sentido completo, redondo. En este “Desorden” los jovencísimos La Plata consiguen pulir su sonido, entre el pop ochentero y el punk, haciéndolo más sólido sin perder un ápice de naturalidad. Diez temas con hechuras de himno para hartarse a cantar y bailar… La Plata, habéis conseguido hacer realidad mis mejores fantasías.

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BITTERSWEET bittersweet

 

BITTERSWEET

 

BITTERSWEET

 

LUNAR DISCOS  --  ENERO 2018

 

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@pakitoserrano

Bittersweet es el primer LP de la joven banda sevillana del mismo nombre que se publicaba este pasado enero, tras el éxito de sus dos referencias previas, los EPs “Extranjeros” y “Ribadeo”. El disco, que cuenta con Ramiro Nieto (Tulsa, The Right Ons) y Martí Perarnau (Mucho) en la producción, aúna de manera precisa y cargada de personalidad psicodelia, synth-pop y punk-rock. El resultado es un excelente cóctel de sonidos de influencia sesentera que demuestra las ganas de experimentar y evolucionar de los sevillanos; una combinación llena de contrastes entre la luz de sus melodías y la oscuridad de sus letras. Y es que en Bittersweet la alternancia de voces entre los dos guitarristas, Álex y Fran, refuerza el mensaje de sus composiciones, que lejos de estar vacías de contenido, tratan de manera explícita cuestiones como la alienación de nuestra sociedad, el malestar y desazón de las nuevas generaciones, presentando la sucia realidad actual de una forma cruda y descarnada. Pero si hay algo que destacar de este nuevo trabajo es su capacidad para atraparte desde el principio, con las brutales “Golpe Final” y “Demasiada Gente”, para no soltarte hasta el final, en un divertido y variado viaje sonoro.

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RURAL ZOMBIES from home to hospital st

 

RURAL ZOMBIES

 

FROM HOME TO HOSPITAL ST.

 

MUSHROOM PILLOW  --  ENERO 2018

 

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Lorena García

Tres años han pasado desde que los guipuzcoanos sacaron su álbum debut ‘Bat’ con el que consiguieron hacerse un hueco en la escena musical. ‘From home to hospital St’ acaba de nacer demostrando una clara evolución en su sonido. Si algo se aprecia ya desde su primer tema ‘Nana’ es que el álbum es menos bailable, pero mucho más trabajado. Si nos paramos a escuchar los dos discos, vemos una clara diferencia en su sonido, y es que en este último, las guitarras están mucho más presentes siendo la base fundamental de su sonido, alejándose a su vez de los sintetizadores que tanto caracterizaban sus canciones del primer álbum. Una de las grandes sorpresas es su canción ‘Bi’, que sin duda llega a ser de las más pegadizas de todo el repertorio junto con ‘Ethereal’. Si hay algo excesivamente característico, es la voz de Julia Urreaga, que acompaña y destaca cada una de las canciones. No podemos olvidarnos de ‘Wanted’ y ‘Fun-eral’, donde se aprecian unas guitarras más potentes, acercándose a sonidos mucho más grunge. En resumen, es un álbum que no pierde la esencia de Rural Zombies, pero en el que encontramos sonidos mucho más trabajados predominados por guitarras más potentes que sin duda disfrutaremos más que nunca en sus directos.

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ALBERTO & GARCIA el buen salvaje

 

ALBERTO & GARCÍA

 

EL BUEN SALVAJE

 

BOOMERANG DISCOS  --  FEBRERO 2018

 

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@pakitoserrano

La banda asturiana Alberto & García vuelve a nuestros oídos con un tercer disco cargado de influencias latinoamericanas, con doce canciones que nos permiten viajar al continente suramericano sin necesidad de cruzar el charco. Así en este “El Buen Salvaje” el estilo folk-rock de la banda se sumerge en un baño de ritmos latinos para entregarnos desde una cumbia, “Reina de la Selva” con Soledad Vélez, hasta una zamba, “Pa’ que no vuelvas” con la colaboración de Jorge Marazu. El álbum ha sido producido bajo el mando de Toni Brunet (Coque Maya, Miguel Rios) quien ha conseguido el equilibrio sonoro perfecto entre la característica voz de Alberto García y la gran multitud de instrumentos presentes, para un largo repleto de medios tiempos. Esta gran presencia de medios tiempos, unida a la duración del disco y la ausencia de un tema destacado lastra ligeramente la experiencia en casa para alguien que no sea amante de este estilo musical, si bien, somos conscientes de que estos temas ganarán en músculo y ritmo durante los directos de la banda. A pesar de ello este “El Buen Salvaje” resalta en su conjunto, por su cuidada producción y composición, consolidando de manera terminante la propuesta de Alberto & García en su búsqueda por un sonido propio.

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DJANGO DJANGO marble skies

 

DJANGO DJANGO

 

MARBLE SKIES

 

BECAUSE MUSIC  --  ENERO 2018

 

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Santi Hernández

Cuando un grupo aterriza en la escena musical con un bombazo como fue el homónimo disco de debut allá por 2012, las cuchillas se afilan, las lupas se enfocan y los oídos se afinan cuando se trata de escuchar nueva música de Django Django. “Aquello tuvo que ser flor de un día y aquello no puede ir  más allá después del segundo disco” puede ser el más rancio prejuicio antes de escuchar “Marble skies”. En este nuevo trabajo, el tercero, los de Edimburgo siguen cómodos en el sonido de psicodelia electrónica polifónica que les llevó a casi ganar un Mercury Prize en 2012. Si bien han actualizado el sonido con más presencia de sintetizadores que superponen melodía tras melodía, la esencia se mantiene. También han buscado otro registro de voces en “Surface to air” donde han contado con la voz de Self Esteem (Rebecca Taylor de Slow Club) para darle un aire de club al tema. “Champagne”, “Tic-Tac-Toe” y “Further” son los tres cortes consecutivos que más suenan a lo que se espera de Django Django. Para contrarrestar la borrachera, un paracetamol dominguero con “Sundials” y su piano electrónico aderezado con un clarinete sacado de cualquier cabecera de serie de los años 80. Vuelven las andadas con los dos siguientes cortes para después dar salida al tema más electrónico y largo del disco “Real Gone”. En definitiva, merecen la pena los cuarenta minutos que se lleva contemplar los cielos marmóreos de Django Django para revalidar la propuesta del primer y segundo disco;  aunque en alguna ocasión pueda sonar monótono, según acumula escuchas el disco, va mejorando y consolida al grupo entre las propuestas más interesantes de esta década. 

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CALEXICO the thread that keeps us

 

CALEXICO

 

THE THREAD THAT KEEPS US

 

CITY SLANG  --  ENERO 2018

 

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Santi Hernández

Nueve discos de estudio son los que coleccionan Calexico hasta la fecha. Es raro encontrar a alguien que no haya oído hablar de ellos y reconozca la inconfundible mezcla de sonido CALiforniano y mEXICano:  ese auténtico sonido de frontera siempre vigente para la banda afincada en Tucson, Arizona. El tema que abre el disco “The end of the world with you” contradice todo lo escrito arriba. El solo de guitarra del tema rechina por lo inesperado y avisa de que vienen curvas. “Under the Wheel” tiene un halo misterioso e inquietante, “Another Space” suena a funk hipnótico con la combinación de teclado y viento-metal brillantes, como concebido en Nueva Orleans. “Eyes Wide Awake” es épico y cálido… ¿han contratado a Joey Santiago para hacer el solo de guitarra?. “Dead in the Water” la tendría que haber cantado Iggy Pop… “Bridge to Nowhere” os la dejo para que me digáis a quién os recuerda desde los primeros acordes. Y otras tantas canciones en las que la cara de Jeff Tweedy se deja entrever. Pero también hay canciones apacibles, somnolientas e inspiradoras y “The Town and Miss Lorraine” y “Girl in the Forest” dan fe de ello. Bien, pues parece que la estancia en la  costa de Carolina del Norte para grabar este disco le ha sentado bien a Calexico. Se toman su trabajo en serio y demuestran estar atentos a mejorar en cada disco. Consiguen hacer eso que se les pide a muchas bandas: sorprender, investigar, hacer algo diferente pero… no olvidéis que os debéis al sonido que os ha dado el éxito. “Para eso os hemos regalado “Flores y Tamales”” – diría orgulloso Joey Burns. Ya solo queda disfrutar y exprimir este disco y averiguar cómo es ese hilo que une a todos los temas como una sola obra. “The Thread that Keeps us” es un grandísimo disco de una enorme banda.

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MUJERES un sentimiento importante

 

MUJERES

 

UN SENTIMIENTO IMPORTANTE

 

SONIDO MUCHACHO  --  NOVIEMBRE 2017

 

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@pakitoserrano

Para celebrar sus 10 años como banda, los chicos de Mujeres, en formato trío tras la marcha de Martí, nos regalan su primer disco íntegramente en español. Quizás por esto en “Un sentimiento importante” se multiplica el valor de las letras respecto sus tres predecesores, ya que incluso entre tanto ruido y rasgar de guitarras, es posible acompañar nuestros movimientos de cabeza con el tarareo de los nuevos estribillos. Este LP podría funcionar perfectamente como manual de iniciación a Mujeres, ya que combina dosis de rabioso garage y punk (eje central de su primer trabajo “Mujeres” (Sones, 2009)), de temas como “Vete con él”, “No es tu sitio” o “Suenan espadas”, con píldoras de pop-rock sesentero como “Un sentimiento importante”, “Ciudades y cicatrices” o “Dije fácil” que recuerdan indudablemente a “Marathon” (62 TV Records, 2015). Es decir, nos dan una tremenda lección de lo que mejor saben hacer en un disco de rock directo y divertido que les dará el impulso definitivo en su carrera.

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JOE LA REINA esas nuevas modas

 

JOE LA REINA

 

ESAS NUEVAS MODAS

 

SUBTERFUGE RECORDS  --  OCTUBRE 2017

 

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@pakitoserrano

Tres años después de la publicación de “Bailamos por miedo” (Subterfuge, 2014), el pasado octubre llegaba, rodeado de gran expectación, el segundo LP de Joe La Reina “Esas nuevas modas. Durante este largo periodo los vascos han meditado con calma hacia dónde llevar su carrera, sin prisas para publicar nuevo material. Con una ampliación de su formación (añadiendo guitarrista y teclista) el sonido del nuevo disco gana en vigor y fuerza consiguiendo potenciar la presencia de arreglos de percusión y sintetizadores que ya encontramos en su primer trabajo. Así, sus nuevas canciones se llenan de influencias electrónicas y latinas, que incluso nos hacen bailar, sin abandonar la discordante y valiente propuesta musical de los Chaveas. Sus letras, a través de la característica voz de Lucas Malcorra, diseccionan nuestra sociedad de manera crítica, llenas de rabía e inconformismo, manteniendo la inquietud y la intrepidez compositiva de los de San Sebastián. En “Esas nuevas modas” no encontramos ningún tema sobresaliente pero el resultado global nos hace felices de poder volver a disfrutar con Joe La Reina.

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AUTUMN COMETS realejo

 

AUTUMN COMETS

 

REALEJO 

LA ESTANQUERA  --  NOVIEMBRE 2017

 

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Fernando Tello

A las bandas les llega su momento de asentarse. Y a Autumn Comets les ha llegado con su quinto disco. Ellos hacen algo distinto, nada tiene que ver con nada, aunque con pinceladas de muchas bandas de referencia. Los madrileños se pasan ahora al castellano en su totalidad y nos envuelven de nuevo con su magia instrumental, para cerrar los ojos y volver a soñar en esos mundos que están allá, donde tu quieres y donde ellos te van a llevar. Ya estamos hartos que todas las bandas suenen con el mismo patrón y de eso se aleja Autumn Comets. Ellos suenan a lo que quieren y eso ya es distinto a lo estipulado. Los sintetizadores y la viola marcan la diferencia y las guitarras crudas y rasgadas hacen el resto para encontrarnos con un disco de post-rock y folk americano, con caminos hacia el rock progresivo. Lo que si hacen bien los Cometas es tocar en directo y esa es la pretensión que siempre han tenido, huyendo de éxitos efímeros y buscando sus niveles, sus éxitos personales en lo que hacen. Se rodean de los mejores en la grabación en La Mina y con la mezcla de Manuel Cabezalí y así no se puede fallar. Autumn Comets ha vuelto para quedarse entre nosotros e iluminarnos el camino. No lo desaproveches.

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AGORAPHOBIA incoming noise

 

AGORAPHOBIA

 

INCOMING NOISE

 

DOTBEAT  --  OCTUBRE 2017

 

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Sonia Chacón

El nuevo (y el primer LP) de las gallegas Agoraphobia nos llega de la mano del productor Iago Lorenzo. Esta obra, de uno de los grupos emergentes más importante de nuestro país, se traduce en diez cortes en los cuales nos trasladan a las raíces del grunge con guitarras que se distorsionan de forma astuta. Entre los temas que tocan sus letras encontramos esas inquitudes que todos llevamos dentro, y con las que nos podemos encontrar a nosotros mismos fácilmente. Sus canciones nos golpean con una batería clara y contundente y el bajo perfila las canciones a la perfección, las guitarras, por medio de sus distorsiones, nos hacen sentir todos esos ruidos de los que hablan en temas como ‘Grape Juice’ o ‘Caffeine Pill’ aunque es en ‘Karlova’ donde chorrea toda su esencia, donde te captan y te invitan a su mundo. Y todo ello acompañado de una voz cálida y potente que parece que quiera arrojar algo de luz en todo lo anterior. Otros temas de los que podemos disfrutar en este LP son ‘Zero’ , ‘Rainbows o ‘É una Opinión’ que destaca por su título en la que se nos pregunta si estamos preparados. ¿Lo estáis?

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MARIA ARNAL I MARCEL BAGES 45 cerebros y 1 corazon

 

MARIA ARNAL I

MARCEL BAGES

 

45 CEREBROS Y 1 CORAZÓN

 

FINA ESTAMPA  --  ABRIL 2017

 

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Anna Ramírez

Maria Arnal i Marcel Bages son 2 nombres que hace algo más de 1 año a casi nadie le sonaban de nada. Ahora se han convertido en uno de los grupos del momento y algunas de las canciones de su primer disco suenan por todos lados. Tras lanzar varios EPs y empezar a hacer las primeras cosas juntos, Maria y Marcal se sumergieron en un proceso de investigación sonora que les ha llevado algo más de 2 años. El proceso consistía en una ardua investigación sobre memoria sonora. Buscar la huella musical de los antepasados y descubrir que función y que importancia tenia la música en diferentes épocas. El trabajo por fonotecas y bancos sonoros por todo el país les ha dado material para crear los 11 temas del disco. Sus temas hablan de tradición, de origen, de costumbre y de vidas pasadas. Pero su sonido es actual, fresco y muy trabajado. El titulo del disco también habla de historia. Hace referencia a una noticia que cuenta que en una fosa común se encontraron conservados en perfecto estado, a causa de las características especiales del terreno, 45 cerebros y un corazón. A parte de dar nombre al disco también hay una canción con el mismo nombre que cuenta esta historia. Hay temas que hablan de trabajo, de emigración, costumbres y de amor. El single y la canción que se ha convertido en el gran “hit” del grupo se llama “ Tu que vienes a Rondarme” y es una declaración de amor en toda regla que se te mete en el cerebro y en el corazón. La voz de Maria es magia en estado puro, cada nota parece que te acaricia y te envuelve. La guitarra ( y todo el instrumental de pedales) de Marcel es electricidad en estado puro, escalofríos por la espalda a cada acorde. La unión de las dos cosas es un sonido innovador y que te engancha des de el primer segundo.  Algo nuevo pero con una esencia muy marcada, con mucha personalidad y con mucha fuerza. Cada canción del disco es un pequeño mundo que empieza y acaba pero que te invitan a volver a él constantemente. Cada tema lleva un trabajo de música y voz absolutamente cuidado y pensado.  Es increíble la atmosfera que consiguen crear con una guitarra, a veces acústica, a veces eléctrica, un par de pedales y una voz. El disco esta grabado en una masia de Arbucies (Cataluña) y masterizado en Grabaciones Silvestres por Marc Parrot y Joel Condal. Con algo menos de un año de vida este primer disco del dueto esta cosechando éxitos allí donde va. La gira es cada vez más extensa y les esta llevando por todos los rincones del país. La esencia y la verdad de este primer disco les esta catapultando a lo más alto y estamos seguros que se mantendrán allí un largo tiempo.

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SHO-HAI la ultima funcion

 

SHO-HAI

 

LA ÚLTIMA FUNCIÓN

 

RAP SOLO  --  NOVIEMBRE 2017

 

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Ciudadano Suárez

Sho-Hai se ha dado seis años para publicar nuevo material en solitario. Nosotros nos hemos tenido que dar tres semanas para escribir esta reseña porque la noche del pasado 23 de noviembre nos quedamos en shock en la primera escucha. Y no, la ceguera que provoca La Última Función, no se debe a los flashes de la novedad ansiadamente esperada. El Gran Mago Beodo se ha sacado de la chistera un trabajo mayúsculo que suena a años noventa sin perder frescura contemporánea. Un lujo al oído. Vuelve, cómo no, con una producción exquisita no solo en las bases. Nos podemos encontrar samples que hacen guiños desde Mucho Muchacho a Bloque, demostrando que bebe de toda una cultura popular, además de la escena rap incluidos todos sus afluentes actuales y Old School. Acompañan a ésta sus mimbres sobradamente conocidos. El funk Desnudo de un Amante Nefasto. Un poco de hardcore -con y sin Soziedad Alkoholika- como en Dando Brea, 100% o en el homenaje al zaragozano barrio de Las Delicias que es Deep Deli. Llegando a tocar la electrónica en algunos pasajes. No hay una palabra en vano, Narigudo Resultón hila todo su elepé con giros y dobles sentidos, aderezándolo con ironía y socarronería, convirtiendo sus letras en alimento para el intelecto. Plasmado como ejemplo perfecto en Dixlesia. El trabajo a mitad del mismo raya lo conceptual encadenando Sombras, La Bella Muerte, Polterhate e incluso reencarnando su desgraciada farola en un mundano retrete. En ellas queda patente su legendaria misantropía y vuelve a mostrarnos sus demonios interiores. Las colaboraciones ponen la guinda con tres auténticos pelotazos, especialmente la sorprendente Severo Correctivo -con Ossian y una base gloriosa- y Pequeños Lujos, junto a la no menos chocante La Bella Muerte, tracks en los que asoma Kase. O. Por si todavía no había suficiente, da proceso de facturación a su larga duración hablando por Hablar con un flow sobrehumano que consigue recordar a su etapa en los míticos Bufank. Solo unos pocos privilegiados pueden presumir de que su rap no sea un pastel de nata que caduque pronto. Por ello, y aunque solo el tiempo dé y quite razones, podemos afirmar, sin miedo a equivocarnos, que el disco que El Rey de las Cantinas ha firmado con su Garra de Cristal es uno de los tres mejores en lo que va de siglo dentro del rap patrio.

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HONKY TONKY SÁNCHEZ de la piel del diablo

 

HONKY TONKY SÁNCHEZ

 

DE LA PIEL DEL DIABLO

 

EL HOMBRE MUSIC  --  SEPTIEMBRE 2017

 

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Sonia Chacón

El 1 de septiembre de 2017, Carlos Sánchez, ex de los albaceteños ‘Mercromina’, volvió a la carga en solitario con ‘De la Piel del Diablo’ con su sonido rock característico pero con un toque muy personal. Este disco nos llega producido por Martxel Alcarazo y cuenta con la banda Inoren Ero Ni para acompañarle en sus canciones.El segundo disco de Carlos Sánchez es uno de esos discos ásperos, a los que necesitas darle tiempo y un par de vueltas para dejar que la voz grave y ajada de Carlos se abra camino y te pueda sorprender con temas como ‘Ciego de Luz, ‘Santa Semana’ o ‘El invierno de las Cerezas’ para terminar este recorrido con una declaración de intenciones llamada ‘Creo’. El rock oscuro de Sánchez te envuelve en una atmósfera intensamente emotiva reflejada en la voz de este albaceteño de corazón y que te hace recordar los mejores versos del mismísimo Bukowski.

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TREMOR ave reina mora

 

TREMOR

 

AVE REINA MORA

 

ZZK RECORDS  --  NOVIEMBRE 2017

 

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Luciana Miranda

Leo Martinelli, Camilo Carabajal y Gerardo Farez son TREMOR, el trío argentino que después de 4 años de silencio discográfico volvió con Ave Reina Mora, un EP lleno de sonidos y texturas diferentes. Editado por el sello independiente ZZK records, Ave Reina Mora es una obra de 16 minutos distribuidas en 5 canciones que dejan expuesto que la experimentación sonora es la base del estilo de TREMOR. Sintetizadores, guitarras, charango, bombo y una voz tranquila y lejana forman una amalgama retro y vanguardista a la vez. En el EP se mezclan el folclore latinoamericano con la música electrónica. Se escuchan reminiscencias orientales con sintetizadores psicodélicos. Se ve, se siente y se escucha la exploración musical. Ave Reina Mora abre con “Resplandor”, el single elegido que también tiene un videoclip muy bueno donde el Combinado Argentino de Danza se luce. Sigue con  “Agujeros en la realidad”, una canción llena de texturas. El corazón del EP definitivamente es “Reloj de arena”, un track lleno de imágenes oníricas, es diferente y llamativo. En “Huayno de metal”, los  instrumentos se parecen a un viaje introspectivo. “Ave Mora” es el cierre de una obra homogénea, poco común, delicada y psicodélica. En los planes de TREMOR está arrancar con una gira europea para el 2018, por lo que si buscas nuevos sonidos y explorar un universo musical original es vital escuchar Ave Reina Mora para primero disfrutarlo en casa y después ver lo que pasa en vivo.

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PENNY NECKLACE la luz

 

PENNY NECKLACE

 

LA LUZ

 

LAGO NARANJA RECORDS  --  SEPTIEMBRE 2017

 

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Teresa Gómez

Regresan Penny Necklace con La Luz (Lago Naranja Records, 2017), su segundo trabajo después de Este es el disco de Penny Necklace (Lago Naranja Records, 2015) donde, dejando atrás su folk inicial, ya jugueteaban con la psicodelia y la electrónica. En este La Luz vuelven a confiar en las manos de Víctor Cabezuelo (Rufus T Firefly, Mucho) como productor y en Manuel Cabezalí (Havalina) para la masterización, en El Invernadero de Brian Hunt para la grabación y en la también producción de Odette Suárez, alma máter de la banda. El resultado es un conjunto redondo, grabado en 3 únicas pistas de 3 temas cada una con 3 interludios entre ellas, un formato arriesgado pero que cobra todo el sentido bajo los epígrafes cromáticos. “Cálidos” incluye “Amarillo”, “Rosa” y “Rojo”, una progresión orgánica desde los sonidos más urban a la maravillosa percusión latina de “Rojo”. “Fríos” se mete de lleno en esas nebulosas psicodélicas que tanto gustan a Cabezuelo y en un sonido más óscuro y potente, con la fantástica percusión de Pablo Sotelo a la batería (sin dejar de echar de menos a Julia Martín-Maestro). Finalmente, con “Neutros” vuelven a emerger a la superficie, con los dos medios tiempos “Gris” y “Negro” y con ese “Blanco” luminoso y desnudo como colofón final, posiblemente unas de las canciones acústicas más bonitas que se han escrito este año en el panorama indie. Desde luego, si como canta Odette, “El futuro depende de lo que hagamos hoy”, Penny Necklace están en el buen camino.

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BIG JUNIOR osiris

 

BIG JUNIOR

 

OSIRIS

 

AUTOPRODUCIDO  --  ABRIL 2017

 

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Marta Jiménez Martínez

Quizás los hayas escuchado. O quizás no. Big Junior te trae los ritmos eléctricos con un estilo alternativo en el paradigma del je ne sais quoi. Nuevos pero no amateurs: así se definen. El grupo formado por 4 chicos lyoneses, Mathieu (vocalista), Adrien (guitarrista), Johan (batería) y Richard (bajo y teclado); decidieron en 2015 fundar la banda Big Junior con un estilo de lo que llaman Hip Wave, una mezcla entre el hip hop y el rock. Y así en 2016 sacaron su primer EP: Snii, todo entero escrito, compuesto y producido por el grupo. Cuatro canciones: “Cazillas” (una canción donde destaca mucho el uso del teclado), “Cusbo” (una variedad de sonidos y de ritmos), “A.I.A.I.” (con un principio lento pero que en seguida va subiendo el ritmo) y “Kopakabaka” (una canción que hace que todo el mundo grite como en su final un We are brothers). Así mismo, también en su canal de Youtube han subido un par de canciones que se posiblemente formen parte de un nuevo EP como “Sicoo” o “Suga Mama”. Este año han sacado un nuevo EP: Osiris. De nuevo, todas las canciones están escritas, producidas y compuestas por el grupo, pero aquí añadimos que el management lo lleva Little Lions, al igual que otro grupo conocido como Alexis and the Brainbow. Su primera canción, “Osiris”, una canción que puede destacar por los sonidos envolventes de fondo que hace abstraerte si estás en mitad de la pista, sin dejar olvidar la parte instrumental con el teclado a mitad de la canción. La siguiente, “Born To Cry”, con un estilo veraniego muy parecido al de Carlos Sadness hasta que casi llegando al final de la canción acaba más siendo dance. “Jump Zone”, se acerca más al trap con altibajos. Finalmente, Shoot the Breeze”, una mezcla de todos los ritmos anteriores con la que te sonará en tu cabeza Everything, un buen final para el EP. Ir a Francia es asumir que toda la música lleva un toque de electro y como no, este grupo no es una excepción, pero a su vez nos puede hacer recordar grupos como Passion Pit, el mainstreado Imagine Dragons o lo más nuevo de Foster the People, entre otros. Entonces, ¿a qué estás esperando? 

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EVERYTHING EVERYTHING a fever dream

 

EVERYTHING

EVERYTHING

 

A FEVER DREAM

 

RCA RECORDS  --  AGOSTO 2017

 

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@pakitoserrano

El pasado agosto se publicaba el cuarto disco de Everything Everything. Tras el éxito de su predecesor, “Get to heaven” (RCA Records, 2015), este nuevo trabajo de los ingleses estaba entre mi lista de los más esperados, si bien, no ha llegado a colmar mis expectativas. Producido por James Ford de Simian Mobile Disco, el álbum mantiene la línea de su anterior disco de pop-rock electrónico con toques de rap y música disco La producción de Ford refuerza la compleja y densa construcción de las canciones con la que Everything Everything buscan resaltar la imponente voz de Jonathan Higgs, que por momentos llega a abusar de su capacidad para cantar en falsete. Esta línea, demasiado continuista, refuerza la sensación de que la banda no ha querido arriesgar demasiado en la composición, lo que provoca que el nivel medio del disco decaiga.  A pesar de todo eso el LP contiene varios temas que seguramente ocupen un lugar importante en el set list de su próxima gira como “Ivory Tower”, “Can’t Do” o “Nigth of the long knives”.

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JORGE DREXLER salvavidas de hielo

 

JORGE DREXLER

 

SALVAVIDAS DE HIELO

 

WARNER MUSIC SPAIN  --  SEPTIEMBRE 2017

 

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María Coki

“Salvavidas de hielo” es el nuevo y cálido disco de Jorge Drexler, ha sido grabado en los Estudios Noviembre de México. Ya habíamos tenido la oportunidad de escuchar sus adelantos “telefonía”, “silencio” y “pongamos que hablo de Martínez”, esta última, evidentemente, un homenaje a Joaquín Sabina, que años atrás le animaría a venir a trabajar a España. Ahora tenemos la oportunidad de disfrutar de este trabajo al completo. Un álbum calmado en el que hay que resaltar el acento latino, grabado a ritmo de guitarra como único instrumento interviniente, un experimento que ha resultado un éxito. Además viene muy bien acompañado por dos mexicanas Julieta Venegas en “Abracadabra” y Natalia Lafourcade en la canción que da nombre al album y una chilena Mon Laferte en “Asilo”, lo que aporta fuerza y color a los temas. A partir del 28 de octubre podremos ver a Jorge en distintos teatros y auditorios de la península tras su gira latinoamericana que le llevará a Chile, Uruguay y Argentina. Mientras nos conformaremos con poner “Salvavidas de hielo” en bucle, ya que la originalidad y sofisticación de este disco hacen que sea como un abrazo.

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GRANDADDY last place

 

GRANDADDY

 

LAST PLACE

 

30TH CENTURY RECORDS / COLUMBIA  --  MARZO 2017

 

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Santi Hernández

Pasados 10 años desde que se publicara “Just Like the Fambly Cat”, Grandaddy han vuelto a la escena musical con este buen trabajo: “Last Place”. Hablar de Grandaddy en esta ocasión es referirse exclusivamente a Jason Lytle pues es él quien compone las canciones; tan solo deja a Aaron Burtch añadir alguna línea rítmica. El disco destila el sonido que les dio a conocer hace más de diez años por lo que no defraudará al clásico seguidor de la banda. Lo que puede distinguirlo del pasado es el sonido épico pop basado en sintetizadores que consigue recordar a los mejores momentos de Mercury Rev. En mi opinión, las canciones son buenas y todas tienen carácter; solo con escuchar  el tema de apertura, “Way we want”, no cabe duda de que son Grandaddy quienes están sonando. “Brush with the wild” lo confirma con la canción más memorable del disco. “Evermore” pone la guinda en tercer lugar. Llegado el turno del “The boat is in the barn” comienza el estilo heroico de este Last Place que se deja escuchar bastante bien.

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ALVVAYS antisocialites

 

ALVVAYS

 

ANTISOCIALITES

 

TRANSGRESSIVE  --  SEPTIEMBRE 2017

 

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Fernando Tello

Las joyas suelen venir de forma inesperada. Siempre me ocurre lo mismo, pasan por delante de mí muchas bandas, muchos correos y envíos de material. Muchos no me llaman la atención. Me da la impresión que lo que últimamente se produce tiene las mismas bases y la mayoría de las bandas suenan de manera muy parecida. Como si hubiera un mismo patrón que debe garantizar el éxito de masas. Así que, cuando algo me corre por los oídos y tengo ganas de volver a ponerlo una vez terminado me acapara mucho más la atención. Eso me pasó el otro día con Alvvays y su segundo trabajo “Antisocialities”. Ya vienen de un primer disco memorable, pero en éste, se superan. Sonido muy fresco en tus oídos, con un pop puro con toques de sintes fantásticos y una voz, la de Molly Rankin, simplemente maravillosa. Los comparan con Camera Obscura. Para mi tienen mucho de los Teenage Fanclub o de Pavement e incluso de Oasis. Con esos dos discos en el mercado todavía queda mucho por hacer, pero esta banda de Toronto tiene un gran futuro sonando a ellos mismos, sin ataduras, sin tener que beber de otros, sólo con sus méritos. No se les olvide, señores, porque pronto vendrán a estos lares, se llaman Alvvays.

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CIGARETTES AFTER SEX cigarettes after sex

 

CIGARETTES AFTER SEX

 

CIGARETTES AFTER SEX

 

PARTISAN RECORDS  --  JUNIO 2017

 

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Maria Grau Piqué

Una hamaca colgante en un atardecer de verano de los que necesitan manta, una mecedora al lado de una chimenea mientras fuera está nevando, hacer el muerto en el mar con el sol acariciándote la piel. Vaivén, dejarse llevar. Paz. Las letras del líder de la banda, Greg Gonzalez, no se andan con rodeos y metáforas, son relatos románticos de todo tipo narrados como recuerdos. De ahí el balanceo, la neblina y la tranquilidad de un dream pop monocromático pero tremendamente elegante. Todos los temas quedan entrelazados por su similitud, por una especie de monotonía que no se hace para nada aburrida ni lineal, sino que forma parte de una propuesta que funciona maravillosamente y que nos zambulle de lleno en un suave viaje por la vida amorosa de la voz que nos la relata. Esto es lo que mejor describe el discazo de Cigarettes After Sex. La dulzura de una canción inacabable, entrar en una especie de realidad paralela donde no existe nada más que su música y una sensación de tranquilidad inacabable.

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REAL ESTATE in mind

 

REAL ESTATE

 

IN MIND

 

DOMINO RECORDING  --  MARZO 2017

 

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Santi Hernández

Este cuarto álbum de los estadounidenses de Nueva Jersey ha tardado tres años en caer en nuestros oídos y, a decir verdad, la espera ha merecido la pena. Los once cortes de este IN MIND no defraudan sea que las canciones se escuchen sueltas o todos seguidos. Rápidamente se acomoda plácidamente en la estancia en la que se deje sonar pues son innumerables los detalles melódicos de voz, bajo o guitarra rítmica y solista que acabaran por captar tu atención. Si hubiera que ponerle una pega a esta sinfonía de melodías sería lo recargado que puede sonar, esto es, IN MIND vendría a representar el horror vacui del sonido. Siempre hay algún instrumento dando su toque personal a la melodía destacando así del resto. Este pequeño “pero” no empaña lo que es un muy buen disco que habrá que ver qué tal se desarrolla en directo cuando tengan a bien hacer una visita más larga a España.

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QUEENS OF THE STONE AGE villains

 

QUEENS OF

THE STONE AGE

 

VILLAINS

 

MATADOR RECORDS  --  AGOSTO 2017

 

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@pakitoserrano

La elección de Mark Ronson como productor, conocido gracias a trabajar con Bruno Mars, Amy Winehouse, Lady Gaga o Duran Duran, hizo que los fieles de Queens of The Stone Age se temieran lo peor ante la grabación del nuevo disco de los americanos. Sin embargo, este recién estrenado Villains conserva la parte más esencial de los QOTSA intacta, la que les lleva manteniendo en la cima durante más de 20 años con sus marcadas guitarras rock, pesados sonidos de bajo y esas melodías tan fácilmente reconocibles. El toque Ronson se puede notar en esos sonidos más movidos y juguetones, con los que ya coquetearon en pequeñas dosis en “Like Clockwork (Matador, 2013), que consiguen que este sea el LP más bailable de la carrera de los chicos de Josh Homme. Es cierto que este disco se aleja bastante de la potencia y suciedad rock de los primeros trabajos de QOTSA, que su carga creativa y compositiva no llega a los niveles habituales de los QOSTA, pero también es cierto que este Villains resulta una experiencia auditiva extremadamente divertida garantizando 48 minutos de entretenimiento. Tomemos Villains como un experimento y esperemos que dentro de unos años sigamos recordando este Villains como una rareza en su discografía.

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LAS ODIO futuras esposas

 

LAS ODIO

 

FUTURAS ESPOSAS

 

AUTOPRODUCIDO  --  FEBRERO 2017

 

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Jaime Lahoz

Según leo en su página de Facebook, Las Odio (y cito) “son un grupo de riotgrrrls con oscuras y peligrosas intenciones”. No estoy muy de acuerdo con que sean oscuras, pero si en que tienen toda la intención y el concepto del mundo. Si prestas atención a las letras es bastante probable que te des por aludido, incluso que te piques un poco, se siente. A lo largo de los diez temas que componen su primer LP “Futuras esposas” (de apenas 23 minutos de duración) hacen un recorrido por algunos usos y costumbres de una parte de la sociedad (esgggpañola) a la que, dado que estás leyendo esto, probablemente pertenezcas. No pienses en reflexiones pseudo-filosóficas del tipo que tanto éxito tiene en las redes sociales, salidas de libros baratos de auto-ayuda, tampoco en que intenten ganarse al público de una u otra tendencia política con los tópicos de freedom-fighter de salón usados por todos los autores faltos de inspiración. Sus letras son (cito de nuevo) “un puñetazo en la cara”. Están cargadas de sorna y como he dicho antes, de concepto. ¡Me he partido de risa!. Se describen como “post-punk pop“ y tienen morro de sobra para citar a Bikini Kill, Spice Girls y Marisol entre sus influencias. Puestos a echarle morro, el último tema me parece todo un homenaje al “Quiero ser libre” de “Los Chichos”. No son el tipo de banda que se apoya en el virtuosismo instrumental de sus miembros o que necesita producciones faraónicas para que sus temas suenan. Los temas de Las Odio tienen estructuras y arreglos sencillos pero rezuman buen gusto y, de nuevo, un concepto muy personal y potente. Suena todo lo que tiene que sonar y sólo lo que tiene que sonar para dejar claras (ejem) sus intenciones y mostrar una identidad propia y muy auténtica.

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PABLO UND DESTRUKTION predacion

 

PABLO UND

DESTRUKTION

 

PREDACIÓN

 

SONIDO MUCHACHO / GRAN SOL  --  MAYO 2017

 

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Ciudadano Suárez

“Predación” se presenta como la obra póstuma de Pablo Und Destruktion. En sus propias palabras echaba de menos a Dios, a los muertos y al amor. Y alguien tenía que hacer el trabajo sucio. Sucio o no, lo que ha conseguido es un trabajo redondo, coherente y perfectamente hilado por esos tres conceptos. Ejecutado con un arrebatador rock tempestuoso y sin olvidar el folk. En él, demuestra que para conocer los misterios de la vida, no le hace falta hablar todas las lenguas de los hombres. Y es que Pablo no es hombre de palabras vacías, de los que da gusto no oír sino escuchar, lo que se refleja constantemente en el disco. Letras poliédricas, que hacen prever que podrá ser un elepé al que recurrir pase el tiempo que pase en busca de redención y trascendencia. Mucho mejor, desde luego, que ir a ver al cura de tu familia, al médico o las pastillas. Pablo García podría haber Conquistado Europa siendo médico internista, psiquiatra o taxidermista. Pero en lugar de una bata blanca, un diván o un escalpelo, escogió seis cuerdas, una fina pluma y sacar partido a su prodigiosa voz. Con esos instrumentos es capaz de diseccionar tu existencia, sacar tus vísceras, al mismo tiempo que las de una sociedad en proceso de autodestrucción, y mostrártelas para que de verdad percibas que únicamente cavando tu propia tumba serás capaz de encontrar oro. Y justo cuando estés en ese trance, con un solo alarde vocal, te recolocará entero y devolverá súbitamente a la realidad. Por fuera parecerás el mismo porque el Enemigo Está Dentro pero no lo volverás a ser. Con este disco, el asturiano se postula como el urogallo de la escena nacional y, al igual que ocurre con la fauna cantábrica, ésta no se podría entender sin él. Si el Amor adora la velocidad, es el premio de los temerarios y detesta a los cansados de espíritu, otros adoramos a Pablo. Así que solo nos queda rezar a Dios, a Shiva, o a quien sea oportuno, para que si definitivamente decide desprenderse de Und Destruktion, sea bajo la firme promesa de que su alter ego fuese solo su crisálida y que, más pronto que tarde, va a regresar en su forma plena y totalmente adulta. Muchas personas imaginarán que al morir ascenderán al reino de los cielos entre querubines alados tocando arpas. Otros esperamos, si nos encontramos en esas, hacerlo Puros y Ligeros con Predación como BSO.

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ARCADE FIRE everything now

 

ARCADE FIRE

 

EVERYTHING NOW

 

COLUMBIA  --  JULIO 2017

 

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Jaime Lahoz

“Everything now” sigue la línea de “Reflektor”, en lo que se refiere al uso de sonidos electrónicos y porque de nuevo da un giro a las sensaciones que transmite. Es con mucho el disco más luminoso de Arcade Fire, con tintes, por momentos, “discotequeros”, si se me permite la expresión, y rozando lo “naive” en muchos momentos. Arcade Fire no ha necesitado en ninguno de sus discos desarrollar unas dinámicas demasiado sofisticadas a lo largo de sus temas. Las ideas sencillas pero sólidas sobre las que se estructuran sus canciones son suficientes para contar una historia y para que sean canciones “completas”. Creo que esto es posible gracias a la inspiración y la autenticidad de las sensaciones que han transmitido. Los temas de “Everything Now” siguen esta línea de sencillez pero llevada al extremo, ya que los únicos cambios que experimentan las canciones son, de nuevo, parecidos a los de los temas pensados para ser bailados, pero que no aportan nada a la “trama” de la historias que cuentan, que no son las más originales ni emocionantes de la historia de Arcade Fire. No sé definir el significado que ha adquirido el término “indie” a lo largo de los años, más allá de su significado original, abreviatura de “independent” pero estoy bastante seguro de que “Everyrhing now” no puede ser englobado dentro de esta corriente en ninguna de las acepciones. No es mi disco favorito de “Arcade Fire” pero puede ser un éxito entre el público que disfruta de canciones sencillas con un ritmo y un estribillo pegadizos. Dado que no nos exige una escucha especialmente participativa creo puede funcionar bien en el tipo de festivales o conciertos a los que el público acude para, por ejemplo, charlar con sus amigos mientras toman algo y hacerse selfies con el escenario de fondo.

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EL MATÓ A UN POLICIA MOTORIZADO la síntesis o'konor

 

EL MATÓ A UN POLICIA

MOTORIZADO

 

LA SÍNTESIS O'KONOR

 

LAPTRA DISCOS  --  JUNIO 2017

 

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@pakitoserrano

Grabado en el mítico Sonic Ranch de Texas, La Síntesis O’konor es el tercer LP de El Mató A Un Policía Motorizado. Este disco muestra la evolución tranquila de la banda, embarcada en la búsqueda de nuevos sonidos que comenzaron con el EP “Violencia” (2015, Maxi Simple). Sin abandonar su estilo característico, creado a base de guitarras distorsionadas que se mueve entre el punk-rock y el noise-pop, los de La Plata incluyen otros matices más melódicos y envolventes junto con nuevos arreglos de percusión. Y lo hacen de una forma efectiva y nada drástica, si bien no resulta difícil hacer una distinción de los temas en los que Santiago Motorizado y los suyos abrazan esos nuevos matices (“La noche eterna”, “Las luces”, “Destrucción”, o “Fuego”) de los que continúan en la línea de anteriores trabajos (“Ahora imagino cosas” o “El mundo extraño”). Aunque la carga de momentos eléctricos y estribillos coreables se reduce respecto a sus anteriores entregas, la nueva atmósfera de épica contenida creada por los argentinos consigue engancharte desde las primeras notas de “El Tesoro” y te arrastra en un emocionante viaje de 40 minutos que pasa en un suspiro.

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SUGARCRUSH vacaciones en la tierra

 

SUGARCRUSH

 

VACACIONES EN LA TIERRA

 

 AUTOEDITADO  --  MAYO 2017

 

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Pat López

De las cenizas de Mr. Perdigans, nace en formato power-trio, Sugar Crush, para trasladarnos a finales de los ochenta en un viaje musical con su punk costumbrista manchego. ¿Y qué podemos encontrar en este EP? Siete canciones que desde su punto de vista ácido nos hablan de las pequeñas cosas con las que todos nos sentimos identificados: Barrio Sésamo, filias con zapatos, secuestrar al cantante de Maná… Lo normal en cualquier persona de BIEN. Autodefiniéndose como precursores del “Trans Yeyé”, dejando de lado sonidos electrónicos y cargados de guitarras y batería nos traen estribillos muy pegadizos y bailables. En definitiva, un disco cargado de diversión, energía, actitud y unas letras con una gran dosis de humor. No podrás desprenderte de temas como “El Verano”, “Espinete” o la más punk de todas "El cantante de Maná”. Cuidado son adictivos.

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HAIM something to tell you

 

HAIM

 

SOMETHING TO TELL YOU

 

 POLYDOR RECORDS  --  JULIO 2017

 

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Teresa Gómez

Las hermanas Haim han tenido tiempo para todo en estos cuatro años transcurridos entre su Days are Gone (Polydor Records, 2013) y este su segundo Something to Tell You (Polydor Records, 2017); desde ser teloneras en la gira de su ahora amiga Taylor Swift, colaborar con el rapero A$AP Ferg o Calvin Harris, hasta ser invitadas a todo sarao de gente in que se precie. Las expectativas, sin duda, eran altas por ver con qué sorprendían las californianas. Y sorprender, sorprender, lo que se dice sorprender… Digamos que no lo han hecho. En Something to tell you presentan 12 temas que, como en su primer álbum, van desde el r’n’b de “Walking Away” (bien podría ser una canción de las primeras Destiny’s Child) o “You never knew” (no, el estribillo no es un sample de Michael Jackson) al soft rock de “Found it in Silence”, pasando por baladas como “Right Now” que eligieron como primer single y que sin duda demuestra su gusto y talento para la percusión. El amplio abanico de estilos que tocan, sus truquitos de estudio —esos ecos, distorsiones y toquecillos psicodélicos— sus letras de amor y desamor, la frescura de las melodías… De todo eso que ya nos había encandilado en Days are gone nos dan una ración más en este disco, quizá con un algo más complejidad en la producción gracias al trabajo del ex -Vampire Weekend Rostam Batmanglij. Pero, ¿quién puede decir que no a esas melodías cadenciosas de hombro arriba y abajo?, ¿a la voz grave a la par que dulce de Danielle?, ¿a su rollo cool de californianas piji-hippies?... De momento tomamos con agrado otra ración más de Haim, especialmente ahora en verano, a ver cuándo nos cansamos.

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RIDE weather diaries

 

RIDE

 

WEATHER DIARIES

 

 WICHITA RECORDINGS  --  JUNIO 2017

 

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Santi Hernández

Ride ha publicado este su quinto álbum de estudio tras veintiún años en silencio. Uno no sabía qué se iba a encontrar al escucharlos después de tanto tiempo y conociendo el extraño devenir de sus discos desde que maravillaran al mundo con “Nowhere – Sire Records (1990)” y “Going blank again – Sire Records (1992)”. Ride ha vuelto al sonido gazer que les diera rédito al principio de los noventa y del que, con pasmosa facilidad, se deshicieron cuando publicaron “Carnival of light”, tercer álbum del grupo. El hecho es que el shoegaze, muerto prematuramente y traicionado por tantos grupos de entonces, se reivindica ahora como víctima del arrollador Brit-Pop para volver a revalorizarse con la presencia más o menos simultánea de My Bloody Valentine, Slowdive y los que firman el disco que se reseña. Dejando de lado lo emocional que me condiciona al escuchar a estos grupos, hay que reconocer que este resurgir de Ride es bastante flojito. Han intentado reinventar el sonido de antes con modernos filtros y una producción más actual y el resultado es bastante ramplón, queriendo emular grandes momentos como “Vapour Trail” o “Leave them all behind” la gran mayoría de los temas se quedan en la sombra tan solo dejando el regusto a temas ya grabados hace décadas. No es la primera vez que pasa: escuchar el nuevo disco de un grupo que estuvo en silencio muchos años e irremediablemente querer a volver a revisitar la discografía en busca de esos temas que emocionaban antaño (lo escribo escuchando “Leave them all behind” a todo volumen. Apabullante)

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ROYAL BLOOD how did we get so dark

 

ROYAL BLOOD

 

HOW DID WE GET SO DARK?

 

 WARNER BROS RECORDS  --  JUNIO 2017

 

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@pakitoserrano

El dúo formado por Mike Kerr y Ben Thatcher lanza su esperado segundo álbum casi tres años después de su sorprendente y potentísimo debut, “Royal Blood” (Warner Records, 2014). En este nuevo trabajo los británicos apenas varían su propuesta de Garage y Blues Rock con la que consiguieron auparse a lo más alto de las listas, en un ejercicio musical claramente continuista. El disco lo componen diez contundentes cartuchos con un alto componente melódico que no superan los cuatro minutos de duración, simples puñetazos de rock directos a nuestras mandíbulas; si bien, en esta ocasión quizás carecen de ese acabado más sucio y oscuro que resaltaba el carácter ácido y gamberro del primer álbum, ¿con la intención de hacerlo más accesible al gran público?. En resumen, se trata de un buen segundo disco que aportará nuevo material incendiario para los apasionados directos de la banda, como “Ligths Out”, “I Only Lie when I Love You”, “Look Like You Know” o “Hook, Line & Sinker”.

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SLOWDIVE slowdive

 

 SLOWDIVE

 

SLOWDIVE

 

 DEAD OCEANS - EMI  --  MAYO 2017

 

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Santi Hernández

Doce años después de Pygmalion y catorce de Souvlaki, Slowdive vuelven a editar nuevo disco tras volver a los escenarios en 2014 en el Primavera Sound. Se puede decir que faltaban ellos para consolidar las tres patas del revival shoegaze que comenzó My Bloody Valentine, consolidó Ride y ahora refuerza Slowdive. Por lo que respecta a este nuevo disco de los ingleses de Reading, hay reconocer que desempolvar la pedalera de efectos para volver a construir esas cortinas de ruido que les caracterizó a mediados de los noventa ha sido un acierto. No han perdido un gramo de frescura y las ocho canciones suenan coherentes con lo que se espera de ellos. Si bien es cierto que no engancha a la primera escucha, quien haya escuchado otros trabajos de Slowdive se reencontrará con momentos memorables de otros discos, y así cada escucha es mejor a la siguiente haciendo de este “Slowdive” un disco que merece la pena darle un par de vueltas.

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THE BIG MOON love in the 4th dimension

 

 THE BIG MOON

 

LOVE IN THE 4TH DIMENSION

 

 FICTION RECORDS  --  ABRIL 2017

 

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Teresa Gómez

Como dirían las madrileñas Las Odio, ni novias, ni primas, ni vecinas, artistas. Qué difícil es para un grupo femenino hacerse un hueco en el panorama indie, sin tener que confiar en una estética determinada o en buenos contactos (¿alguien dijo Hinds?). Ahora que, con un trabajo de calidad, todo es más fácil y el éxito sabe mejor. Las británicas The Big Moon bien pueden presumir de ello tras su primer álbum, “Love in the 4th dimension” (Fiction Records, 2017), que si bien se hizo esperar, no ha decepcionado, sobre todo a los nostálgicos. A los nostálgicos de Pixies o de los mejores The Breeders de finales de los noventa. A los nostálgicos del brit-pop/rock de manual de Damon, de los buenrolleros The Wave Pictures o de bandas femeninas británicas como Elastica. Sin embargo, a pesar de la resonancia de los golden days, las chicas the The Big Moon imprimen a estas 11 canciones un sabor actual y descarado en las letras, un estilo personal y una producción muy limpia que hacen que que su escucha no se convierta en un ejercicio anacrónico. En directo, como pudimos ver en el último festival Tomavistas en Madrid, lo defienden con energía, imprimiéndole a las canciones ese punto sucio que quizá falte en el disco. Qué gusto da escuchar y ver en directo buen rock femenino.

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JENNY AND THE MEXICATS mar abierto

 

 JENNY AND

THE MEXICATS

 

MAR ABIERTO

 

 GMO  --  FEBRERO 2017

 

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@pakitoserrano

Mar Abierto es el tercer LP de Jenny and the Mexicats que incluye 13 temas con un hilo conductor único, el agua. Desde la independencia que les da producir el disco con su propia discográfica y como es habitual en toda la discografía de la banda, la mezcla de estilos es constante. Así, por su coctelera multicultural pasan reggae, rumba, cumbia, folk, jazz, flamenco e incluso un merengue muy al estilo Mexicat. El LP cuenta con un gran equilibrio entre la parte más bailable y festiva y la parte más emotiva de sus canciones, destacando “La Primera despedida”, un tema muy rítmico y a la vez muy emocionante, o “Why Why” la primera cumbia del grupo en inglés.

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SHINOVA volver

 

 SHINOVA

 

VOLVER

 

 WARNER MUSIC SPAIN  --  SEPTIEMBRE 2016

 

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Marta Jiménez

El pasado 16 de septiembre de 2016 Shinova lanza Volver, su cuarto álbum de su trayectoria musical desde sus inicios en 2008 pero el primero con la discográfica Warner Music (como Miss Caffeina, Belize, Bunbury, León Benavente, Iván Ferreiro o Second, entre otros). A pesar de sus comienzos con un estilo rock "Latidos" en (DFX Records, 2009) y "Ceremonia de la Confusión" (DFX Records, 2011), evolucionan tras dos años de parón a un rock alternativo con "Ana y El Artista Temerario" (Maldito Records, 2014) y ahora, más consolidado, con "Volver" (WMS, 2016). Trabajar con José Caballero de Neo Music Box para la grabación y la mezcla ha permitido tener mayor calidad melódica y sonora que los anteriores. Para toques intensos de guitarra y batería desde el primer segundo encontramos "El País de las Certezas", un buen comienzo del disco, "Niña Kamikaze" y "Ser espiritual" y "Tengo", llegando al final del álbum. Con ritmo más light aprovechando muy bien el fondo, están con el teclado "Para Cambiar el Mundo", con el piano "El Combate del Siglo" y con el violonchelo "Doce Meses (El año del maravilloso desastre)" y "El Viajero". Otros temas a nombrar son "A treinta metros" con un toque militar que se reserva en la mitad del disco y "Qué Causalidad", uno de los temas más conocidos del grupo por ahora. Con ritmos más lentos encontramos "Volver" y "La Ciudad Dormida". Es por ello que es un disco que nos puede recordar a nivel nacional a los ritmos de Second, Dinero o Viva Suecia o a nivel internacional a Biffy Clyro, Foo Fighters o Foals. Finalmente, no podemos dejar de indicar las letras de las canciones que en general tienen un trasfondo más maduro. En su conjunto un disco que merece la pena escuchar. Además, nos da la ocasión de nombrar el EP sacado este año “Sesiones Frente a Frente” (WM Spain, 2017), un conjunto de cuatro canciones del mismo disco, pero acompañado de las voces de Second, DePedro, Shuarma y Rozalén.

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SEXY ZEBRAS la polla

 

 SEXY ZEBRAS

 

LA POLLA

 

 VAGABUNDOS RECORDS  --  JUNIO 2017

 

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@pakitoserrano

La Polla es como un directo de los Sexy Zebras, áspero, salvaje y repleto de adrenalina. El álbum, tercero de los madrileños, vuelve a estar producido por Vagabundo Records, su sello discográfico, lo que les permite crear sin limitaciones, hacer lo que les da la gana. Y lo que les sale es puro rock de barrio, once trallazos cargados de guitarras punzantes, baterías desatadas y estribillos pegadizos. En esta nueva entrega el power-trío presenta un sonido más sucio y eléctrico; la grabación realizada desde un enfoque Lo-Fi, sin maquillaje, consigue que los putos suenen más sinceros y cercanos que nunca. Sus letras explicitas y desenfadadas destilan actitud punk y nos cuentan sus vivencias en el último año “Crazy” que en el que han girado por España, México y EEUU; sin duda una experiencia que ha marcado por completo este nuevo LP. Con La Polla los Sexy Zebras logran llevar su directo al salón de tu casa… ve apartando los muebles para el gran pogo final.

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PAJARO SUNRISE the collapse

 

 PÁJARO SUNRISE

 

THE COLLAPSE

 

 LOVEMONK  --  OCTUBRE 2016

 

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Santi Hernández

 Dice Yuri Méndez (o Pajaro Sunrise) que empezó a escribir este disco durante la convalecencia de una conjuntivitis que le tuvo medio cegarruto una temporada. Dice que sintió la necesidad de escribir canciones nuevas dado el hastío de pasar demasiado tiempo “a oscuras”. Sea como fuera, el resultado es una colección de catorce canciones de pop ensoñador, como decimos en castellano, o dream pop, para los anglófilos. En “The Collapse” cada armonía, cada detalle, cada arreglo nace en cada canción desarrollándose perfectamente sin forzar el tema en tiempo ni forma. El ejercicio es sencillo. Tal como si hubiera que imaginar una melodía y desarrollar todas las melodías aceptadas en una canción sencilla mientras mantienes los ojos cerrados.

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THE GIFT altar

 

 THE GIFT

 

ALTAR

 

 LA FOLIE RECORDS  --  MAYO 2017

 

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@pakitoserrano

“Altar”, sexto álbum de The Gift, ha sido editado bajo su propio sello discográfico y producido  y co-escrito por el gran Brian Eno. Se trata de una colaboración soñada con el compositor británico quien ha conseguido reforzar el sonido de los portugueses. El resultado es un trabajo repleto de carácter y complejidad en su primera mitad que pierde algo de energía y emoción durante sus últimos temas.  De esta primera parte se extraen las mejores muestras de la gran paleta de estilos y arreglos que The Gift atesora: desde las bases synth-pop ochenteras de “Clinic Hope”, el pop vitalista y bailable de “Big Fish”, la emocionante y potente “Love Without Violins” o el sabor góspel de “Malifest”.  Un disco que, sin llegar a ser redondo, demuestra la gran madurez y la larga evolución musical de una banda que se encuentra en su mejor momento de su carrera.

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THE FLAMING LIPS oczy mlody

 

 THE FLAMING LIPS

 

OCZY MLODY

 

 BELLA UNION  --  ENERO 2017

 

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Santi Hernández

Llamadme conservador, lo acepto. Llamadme aburrido, para mí. Acepto cualquier cosa que penséis porque puede que llevéis razón aunque dudo que me vayáis a convencer de que este disco de Flaming Lips vaya a trascender. Puedo reconocer y aceptar que los de Oklahoma se han caracterizado por ser irreverentes en sus propuestas y que en eso son imbatibles. Y en este Oczy Mlody lo vuelven a hacer desde un disco que solo por la voz de Wayne Coyne son reconocibles. Durante muchos momentos parece una propuesta de los franceses AIR. Por esto y porque siempre me lo he pasado muy bien en sus conciertos, me da rabia que hayan tirado por este lado. ¿Dónde quedaron esas fiestas de sonido y luz que dieron en los “dosmiles”? Sí, llamadme conservador.

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NEW RAEMON MCENROE lluvia y truenos

 

 THE NEW RAEMON

& MCENROE

 

LLUVIA Y TRUENOS

 

 SUBTERFUGE RECORDS  --  NOVIEMBRE 2016

 

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Santi Hernández

Sea quien sea que te haya traído a interesarte por este proyecto, tienes todas las de ganar. Se puede ser exigente porque solo puedes salir contento a la primera escucha. La épica que tranquiliza, que calma el pulso. Canciones a medio tempo que cabalgan sinuosas sobre arpegios de guitarras encantadoras que desembocan en un distinguido estribillo de apenas segundos consiguen que algunas canciones sean temas memorables: hablo de “Malasombra”. Y por qué no de “Fantasía Heroica” o de cualquier otra que os haga agitar por dentro. Me encanta como empastan las voces de Ricardo Lezón y Ramón Rodriguez tan diferentes y complementarias a la vez. Un gran disco para escuchar muchas veces y siempre descubrir un nuevo detalle.

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RINOCEROSE angels and demons

 

 <<RINÔÇÉRÔSE>> 

 

ANGELS AND DEMONS

 

 STATION 5 LTD.  --  ABRIL 2017

 

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@fehrtello

Parece que fue ayer cuando Patrice «Patou» Carrié (bajo) y Jean- Philippe Freu (guitarra) se juntaron con el propósito de tocar canciones instrumentales con bases de rock y alma de house. Ahora, más de veinte años después siguen con la misma intención, haciendo lo que les encanta y desarrollando canciones como más les gusta. Son los creadores del electro-rock, sin repeticiones, sin ritmos machacones. Con buen gusto. Así ha salido su nuevo disco, con mucho trabajo, con toques de puro pop, mezclados con ritmos eléctricos, y una pizca de todo lo que para ellos les transmite el momento. Porque si algo tiene la música de los de Montpellier es sentimiento, su sentimiento. Algo único que no muchos pueden alcanzar. La instrumentalización es como siempre la nota dominante. Canciones para la pista de baile creadas para mostrar en imágenes, de lo que son verdaderos especialistas. Larga ha sido el camino desde que nació su anterior trabajo “Futurino” (V2 Music,2009) y desde que comenzaron a presentar singles hace unos años que ahora forman parte de “Angels and Demons”. Apaga las luces y dadle al play. Esto es <<Rinôçerôse>>

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NIÑOS MUTANTES diez

 

NIÑOS MUTANTES

 

DIEZ

 

 ERNIE RECORDS  --  MARZO 2017

 

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@fehrtello

Nos situamos en la furgoneta de la banda. Vuelven de Madrid. Cumplen veinte años y se organiza un concierto homenaje precedido por un disco donde muchas formaciones han “mutado” los éxitos de los granadinos. Todo bien, genial. Los Niños Mutantes se merecen esto y más. Su larga trayectoria merecía un homenaje de éstas características. Se encuentran en una nube hasta el momento en que todo lo malo concentrado de esos años de andadura sale a la luz, en la furgo, para llegar entre ellos casi a las manos. Muchas giras, muchas horas de ensayo, de grabaciones, de puntos álgidos, de puntos bajos. Otros hubieran puesto el punto final, pero quizás el sacar todo lo que cada uno tenía dentro hizo que los Niños Mutantes se propusieran grabar su décimo disco. Su título, Diez, como el número de temas, diez de más de veinte que se propusieron. Nada cambia. El disco es un poquito más oscuro, menos facilón, mucho más desarrollado, con letras incluso de crítica social. Pensado para el directo. Su tema inicial, “Menú del Día” suena a León Benavente, y es que la producción de Boba y Verdú se nota en muchos tramos. Sólo media hora quizás es escaso para lo que los mutantes pueden dar y el Lp pasa en un suspiro. Al final las novedades son apreciadas pero el resumen es que es otro disco más de los Niños Mutantes con ritmos muy suyos. Ernie vuelve a publicar en lo que esperemos sea el nuevo principio de una banda que debería perdurar y durar en el tiempo. Eso nadie lo pone en duda.

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HAVOC amado lider

 

HAVOC

 

AMADO LÍDER

 

 SUBTERFUGE RECORDS  --  MARZO 2017

 

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@fehrtello

El cuarto trabajo de una banda debería ser su reafirmación. Ya tienes tu estilo y lo aplicas hasta el máximo. Pedro García es el alter ego de Havoc. No le gustan las etiquetas, los estilos o las diferencias. Havoc suena a lo que debe sonar en cada momento. El donostiarra se fija en muchas cosas a la hora de poner melodía a esas letras incisivas. Se puede decir que suenan a My Bloody Valentine o a New Order. O también a Ride o a The Jesus and Mary Chain. Yo creo que ya suenan a ellos. Y eso es difícil de conseguir. Melodías pop que se venden como son. Así es como debería sonar el pop. Energía a raudales y sonidos fáciles, sin medias tintas. Con una claridad y una fluidez que poseen los que les gusta lo que hacen. El cambio es notable, porque ahora toca esto y lo llevan hasta el final. Diez temas que consiguen en las primeras escuchas captarte para que no te escapes de su secta, la del buen gusto y la buena música. Vuelven a trabajar en Subterfuge, otra garantía más. La espera se hace infinita de ver a una banda como Havoc en los próximos festivales. Se lo merecen aunque no sean asiduos de esos listados festivaleros. Sólo para gourmets.

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LOS PUNSETES viva

 

LOS PUNSETES

 

¡VIVA!

 

 MUSHROOM PILLOW  --  MARZO 2017

 

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@pakitoserrano

Tras un parón de más tres años Los Punsetes vuelven con su quinto LP, ¡Viva!, producido por El Guincho bajo el paraguas de Mushroom Pillow. El cuarteto madrileño mantiene intacta su fórmula que, lejos de estar agotada tras trece años de carrera, nos proporciona un puñado de grandes temas. Con un sonido más compacto (si cabe) que en anteriores entregas, Los Punsetes tiran de humor, ironía e ingenio para poner letra y música a aquello que piensas y no te atreves a decir. A base de guitarras progresivas y envolventes melodías pop nos hablan de la sociedad actual desde su particular punto de vista en la potente “¡Viva!”, dedican sus mejores dardos a “Tu puto grupo”, confeccionan un testamento musical en “Mabuse”, tratan la corrupción desde la sátira en “Humanizando polígonos” o expresan su odio a las amistades aburridas en “La pereza que me da”. El disco pierde algo de impulso en su tramo final a pesar de contar con los tramos más noise del álbum en “Camino” o “El Manual”.

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POLOCK magnetic overload

 

POLOCK

 

MAGNETIC OVERLOAD

 

 SONY MUSIC  --  MARZO 2017

 

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Fehr

Tenemos un punto de partida. Hace tres años Polock publicaba “Rising Up” (Mushroom Pillow, 2014). En ese disco subían un escalón. La banda estaba cerca del éxito y quizás sólo les faltaba una cosa en el curriculum, que en vez de poner origen Valencia, pusiera Manchester o New York. La banda lo tiene todo y Everlasting es su hit. Ahora suben tres peldaños de golpe. Multinacional detrás, lo que da seguridad, por lo menos de medios a tu alcance. Y sobre todo el sonido se multiplica, con menos incisiones. Más setenta. Más riffs, con menos trabajo, pero mucho mas directo al corazón. Estamos ante algo grande con visos de hacerlo mucho más enorme en sus directos. Son de aquí, por supuesto, pero tienen la mentalidad ganadora de fuera. Vuelven a repetir con Fernando Boix a los mandos y es Brian Lucey el que saca en la mezcla ese sonido “AM” que rezuma en muchas fases del disco

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SLEAFORD MODS english tapas

 

SLEAFORD MODS

 

ENGLISH TAPAS

 

ROUGH TRADE RECORDS  --  MARZO 2017

 

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@pakitoserrano

El dúo británico Sleaford Mods regresa con un nuevo puñado de temas rap-punk (punk-hop) de la mano de Rough Trade Records. Y lo hacen para volver a convertirse en la cara más conocida de la canción protesta británica, sin abandonar su estilo único, desde el lenguaje callejero de las East Midlands y la temática obrera. Acompañado de una simple base hip-hop, que en algunos momentos del disco puede resultar repetitiva y de algunos coros ocasionales, Jason Williamson nos canta, lleno de rabia, sobre los problemas de la clase media británica y su desmoronamiento, el día y día, el Brexit o la crisis económica y sus consecuencias en los más desfavorecidos. Un bofetón de realidad desde lo más profundo del Reino Unido que convierte “English Tapas” en toda una oscura y sucia crónica de la oscura y sucia Europa actual. Una crónica que, sin embargo, nos hará pasar un buen rato. “B.H.S” ha sido el primer single en ver la luz del álbum, igualmente podemos destacar “I feel so wrong” y “Messy anywhere”

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LEON BENAVENTE en la selva

 

LEON BENAVENTE

 

EN LA SELVA

 

WARNER MUSIC  --  MARZO 2017

 

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Ciudadano Suárez

Hace semanas anunciaron, casi por sorpresa, que habían grabado nuevo material y que en marzo un maxi vería la luz. Llevaban tres de tres. Dos elepés y, entre medias, un EP excelsos. Lo han vuelto a hacer. Con éste, cuatro de cuatro. No fallan. Han sido capaces de hacer cuatro trabajos redondos. Todos distintos, todos brutales. Esto alcanza aún más valor si se tiene en cuenta que en directo ganan todavía más enteros y se convierten en un auténtico huracán. Así, no es de extrañar que últimamente se dediquen a coleccionar días de gloria y sold out con la misma facilidad con la que uno va a comprar el pan. Y sí, “En La Selva” llega para arrasar este verano cual tsunami. El track homónimo es un zapatazo en la sien que va directo al corazón de las tinieblas con la clara intención de probar que aún pueden sobrevivir. Sin dejar de lado el cuidadísimo concepto de arte al que nos tienen acostumbrados en sus anteriores discos, éste arranca con “Maestros Antiguos” demostrando que no solo tienen un diamante en la garganta, sino que tienen la luz y la suerte de su parte. “Se Mueve” viene, además, acompañado de un interesante videoclip. Un corte que comienza como que no quiere la cosa pero acaba siendo capaz de hacer que te gusten las tragedias y dejándote sin aliento hasta el punto de tener que sacar la lengua como un lagarto. Para el final dejan la rareza que es despojarle, en demasía, la “Celebración” al “Siempre Hacia Delante” que ya figuraba en “2” (Warner, 2016). Conocíamos su especie, pero no dejan de dar miedo porque uno es incapaz de atisbar hasta dónde van a ser capaces de llegar.

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VIVA SUECIA otros principios fundamentales

 

VIVA SUECIA

 

OTROS PRINCIPIOS FUNDAMENTALES

 

SUBTERFUGE RECORDS  --  MARZO 2017

 

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@terego_photo

Aprovechando quizá el tirón de su “Fuerza Mayor” (Subterfuge Records, 2016)—tan bien recibido por crítica y público--Viva Suecia han sido raudos en publicar su segundo álbum, “Otros Principios Fundamentales”(Subterfuge Records, 2017), que aparece como el hermano mayor de aquél, continuando su estilo pero avanzando un punto más allá en potencia y sonoridad. Si bien siguen manteniendo ese atmosférico noise-pop que ya potenciara en la producción Paco Román, ahora gracias a Carlos Hernández—productor entre otros del aclamado “Salve Discordia” de Triángulo de Amor Bizarro y de bandas como Lori Meyers o Los Planetas—suben en revoluciones. “A dónde ir”, “El Nudo y la Garganta”, “Que esto funcione…” o “Hemos ganado tiempo” apuntan como aciertos asegurados en directo y agradarán seguramente a sus ya muchos fans o los que les descubran con este LP, entre los que bien podrían encontrarse nostálgicos de unos Planetas más roqueros (que levante la mano a quien el estribillo de “hemos ganado tiempo” o el primer minuto de la balada “Estrella de David” no le trae a la mente a los de Granada) o fans del post-rock sueco que Viva Suecia admiran y que les movió a escoger el nombre para la banda. Los medios tiempos ganan también en intensidad y épica, véase “Nunca estamos solos” o “Piedad”, como también lo hacen las baladas “Lo último que se pierda” o la antes mencionada “Estrella de David”, con letras que siguen con esa temática existencialista de claro-oscuros que ya fuera protagonista de “La Fuerza Mayor”. A efectos, “Otros Principios Fundamentales” es un disco que funciona y que apuesta por un sonido más contundente e inmediato, sin renunciar a esa intensidad fría y esas letras crípticas que ya fueran protagonistas del debut de Viva Suecia. Pisan seguros los murcianos, con un disco perfecto para defender en la multitud de fechas que ya tienen cerradas para esta primavera-verano 2017.

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VILLANUEVA zoo para dos

 

VILLANUEVA

 

ZOO PARA DOS

 

LUNAVISTA   --  ENERO 2017

 

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Ángel Valtueña

“Zoo para dos” (Sony Music, 2017) es el nuevo álbum de Villanueva, proyecto del gallego Josete Díaz, un trabajo que se esperaba con la posibilidad de igualar o superar a su prometedor álbum de debut “Viajes de ida” (Esmerarte, 2015). Hablamos de un disco definido por el eclecticismo y es que el vigués ha dado un giro a su obra introduciendo mas luminosidad, melodías, voces y ritmos que en ciertos momentos del álbum llegan, francamente, a desconcertar. Se trata de un experimento que mezcla el pop-rock al que nos tiene acostumbrados, con ritmos tropicales, bossa nova o armonías vocales, una apuesta arriesgada para un segundo álbum, y, más después de un primero que si por algo sobresalió fue por su oscuridad y sus letras duras. Vamos a encontrar buenas canciones como El día del equilibrista, que abre este trabajo, Ella, primer single que se extrae, la sesentera Invisible, o las más guitarreras y acertadamente acompañadas de sintetizadores, El día que tú no estabas y El jardín de las delicias. Los temas restantes nos ofrecen un disco de estribillos que se pierden en ritmos y melodías repetitivos y que esperemos Josete y su banda sepan defender en festivales de gran calado, como Sonorama o Winter Indie City, en los que hay que ir a matar o a morir.

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CLAP YOUR HANDS SAY YEAH the tourist

 

CLAP YOUR HANDS

SAY YEAH

 

THE TOURIST

 

CYHSY INC.   --  FEBRERO 2017

 

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Santi Hernández

Estos neoyorquinos saltaron a la fama en 2005 con su disco homónimo sorprendiendo al mundo con canciones excéntricas, poco previsibles y maulladas, más que cantadas por Alec Ounsworth. Desde entonces hasta ahora, los rumores de separación y proyectos paralelos de los miembros del grupo no han supuesto que el grupo dejara de editar otros tres álbumes hasta el recién editado The Tourist (Clap Your Hands Say Yeah / CYHSY, Inc - 2017). Poco queda de la efervescencia de aquellos temas de antaño. Ni siquiera la distintiva voz del cantante se deja lucir tan descaradamente como en siguientes discos al de 2005, ni los temas guardan ese matiz psicodélico guitarrero que poco a poco han ido dejando atrás en favor del sonido más electrónico. No es que las canciones sean malas, es que sencillamente el disco no anima a aplaudir y afirmar.

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TEMPLES volcano

 

TEMPLES

 

VOLCANO

 

HEAVENLY RECORDINGS/PIAS   --  FEBRERO 2017

 

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Lorena García

Con su segundo disco bajo el brazo, Temples vuelven a los escenarios tres años después de su álbum debut “Sun Structures”. Si algo les caracterizaba ya en 2014 eran sus influencias tomadas del rock psicodélico de los 60 y 70. En esta ocasión, no iban a provenir de otro sitio. Con sus melodías medievales y sus teclados característicos comienza sonando ‘Certainty’, primera pista del disco, que comienza ya con un ritmo de lo más pegadizo sin perder la esencia que tanto les caracteriza y que se mantienen de igual manera en todas las canciones. Los ingleses no han arriesgado en nuevos sonidos y aunque no hayan dado un gran giro en su sonido siguen sabiendo como enganchar a todo aquel que lo escucha.

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CALA VENTO fruto panorama

 

CALA VENTO

 

FRUTO PANORAMA

 

BCORE DISC   --  ENERO 2017

 

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@pakitoserrano

Tras su poderoso y homónimo debut “Cala Vento” (BCore Disc, 2016) el joven dúo formado por Aleix Turón (guitarra) y Joan Delgado (batería) vuelve con Fruto Panorama, una colección de once canciones frescas y directas. Con Eric Fuentes (The Unfinished Sympathy) de nuevo a los mandos de la producción la esencia del grupo se mantiene intacta: inmediatez, descaro, ritmos frenéticos, y vocales alborotadas. Sus letras, que siempre hablan sobre lo cotidiano, beben y se emborrachan de sus experiencias durante la gira de su primer LP. Su sonido, más compacto y cañero, va desde el power pop al rock eléctrico, pasando por el pop rock o el punk. Destacan “Historias de bufanda”, “Isla desierta” y “Sin apenas conocernos”

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CLOUD NOTHINGS life without sound

 

CLOUD NOTHINGS

 

LIFE WITHOUT SOUND

 

CARPARK RECORDS   --  ENERO 2017

 

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Santi Hernández

Este cuarteto afincado en Cleveland (EEUU) han editado su quinto álbum en “Carpark records” con un excelente resultado. Este disco condensa mucho del sonido alternativo americano al que estamos acostumbrados. Es complicado no acordarse de Weezer en más de una ocasión escuchando el disco y también de Death Cab for Cutie. De lo primero son responsables estos muchachos pero de lo segundo tiene la culpa John Goodmanson, productor de los anteriores en el mítico “Transatlanticism” (Barsuk Records – 2003) y Nada Surf entre otros muchos. El resultado es un disco bastante homogéneo con grandes momentos de rock intenso, rápido e melódico que no defrauda.

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MAGA salto horizontal

 

MAGA

 

SALTO HORIZONTAL

 

WARNER MUSIC SPAIN   --  FEBRERO 2017

 

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Maria Coki

Seis años, desde 2011, llevábamos esperando algo nuevo de Maga, que, tras su regreso para celebrar su decimoquinto aniversario,  nos dan esta gran alegría, en forma de disco, con “Salto Horizontal” (2017). Miguel Rivera, Javier Vega y César Díaz, vuelven de la mano de Warner Music, con este nuevo álbum que nos devuelve la poesía en sus letras, lejos de volver para hacer lo mismo podemos apreciar una evolución en ellos, un “salto hacia delante”, que confiere a sus canciones un mayor empaque, lo que hace que los temas queden completos, unificando música, arreglos y letras. Es la primera vez que los andaluces trabajan con un productor ajeno al grupo, Ángel Luján, el cual ha trabajado con varios grupos del panorama indie nacional. Pero no es el único que acompaña a estos chicos, en su nueva andadura podemos oírlos acompañados de Anni B Sweet o Zahara. Muchas gracias Maga por hacernos disfrutar de esta manera con la música/poesía y esperemos no tener que esperar otros seis años para poder escuchar nuevos temas. Aunque de momento nos quedamos con este Salto Horizontal.

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JOE CREPUSCULO disco duro

 

JOE CREPÚSCULO

 

DISCO DURO

 

EL VOLCAN MUSICA & ÓPALO NEGRO   --  FEBRERO 2017

 

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Ciudadano Súarez

Ha terminado la cuenta atrás para el estallido de la bomba de relojería cuya mecha ha prendido Joe Crepúsculo. El catalán llega con su octavo disco bajo el brazo. ¿Octavo ya? Sí, por si tenías alguna duda, cuando tú llegaste Joe Crepúsculo ya estaba aquí molando. Viene con un objetivo claro, demostrar que está en el mejor momento de su carrera y que tras siete discos sigue evolucionando y que aún todo está por hacer. Sigue cultivando su perfil de trovador-techno, aderezado con mordacidad en El Dicho, corte cuya melodía se incrusta en tu cerebelo, y Un Demonio Con Piel De Cordero, que parece especialmente diseñada para que Tomasito y Vigalondo a.k.a. El Alacrán se envuelvan en llamas por todo lo ancho de la piel de toro. En esta ocasión suma también más ironía y sarcasmo en las letras que nunca, como los recados que ha preparado para los pesaos en Ojos de Conejo. También ha tenido tiempo para escribir la que amenaza con convertirse en el tema que mejor define un día de resaca y doblete veraniego en Pisciburguer. O la íntima y deliciosa Rosas En El Mar que describe el comienzo de las relaciones aún mejor que el clásico “¿qué somos tú y yo?” y apunta a ser uno de los tracks que mejor envejezcan. Quizá se eche de menos un pelotazo de los que te despeinan a las primeras de cambio al estilo de Leyenda o Mi fábrica de Baile. Pero el trabajo, como los buenos, gana enteros con las escuchas. Y Te Voy A Pinchar y Música Para Adultos, se postulan como bailables de primer calibre. De esta última, por si fuera poco, ayer mismo, para celebrar el lanzamiento del disco, estrenó de la mano de Querido Antonio un videoclip que quedará para la posteridad como un auténtico croché a la mandíbula del cotidiano y sibilino mainstream imperante que, a diario, trata de someternos con mano de hierro.

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TUYA a war is coming

 

TUYA

 

A WAR IS COMING

 

EL RAYO VERDE   --  FEBRERO 2017

 

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Fran González

Las circunstancias han ido dando un giro tras otro a un proyecto, “Tuya”, que cuenta con el multiinstrumentalista David T. Ginzo como creador del mismo. Evoluciones en la formación hasta alcanzar la actual con Óscar García Hinde a los teclados, Juan Diego Gosálvez a la batería y Fernando Monedero a los botoncitos de diversos aparatos. Detrás, en la sombra, han pasado de viajar de la mano de discográficas a comenzar a caminar solos, o al menos con el apoyo de sus mecenas y del colectivo de músicos “El Rayo Verde”. Así ha germinado finalmente “A war is coming” el último trabajo de la banda, después de “Mountains Moving”, aquel EP que nos presentaron, hace ya, tres años. El Space Rock o el Pop Psicodélico siguen siendo unas de las tónicas predominantes del nuevo álbum, con esa propuesta única y atrevida con la que marcan la diferencia y te van embelesando a medida que lo saboreas una y otra vez. Ritmos precisos escoltados por sencillas texturas y aderezados con ciertos toques emocionales que esperamos disfrutar en los escenarios de salas y festivales en los próximos meses.

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TY SEGALL ty segall

 

TY SEGALL

 

TY SEGALL

 

DRAG CITY   --  ENERO 2017

 

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@pakitoserrano

“Ty Segall” es el noveno y homónimo álbum de Ty Segall, el prolífico músico y compositor californiano conocido por sus potentes e irreverentes directos. A pesar de la abundante cantidad de material que Segall pone en la calle cada año, el nivel de calidad de sus trabajos no se resiente sino que incluso llega a mejorar las entregas anteriores, como sucede con este último LP. “Ty Segall” es un excelente y completo compendio de rock-garage con toques de folk y psicodelia producido en el laboratorio de guitarras pesadas, punteos marcados, letras directas y ritmos inmediatos del loco Segall. El disco se puede dividir en dos partes bien diferenciadas, una primera más sucia y enérgica que abre la garajera “Break a guitar”, contiene la joya post-rock de 10 minutos “Warm Hands (Freedom Returned)” y cierra “Thank You Mr. K” con su trepidante tramo final punk; y una segunda más luminosa que contiene la dulce balada “Orange Color Queen”, que Ty Segall dedica a su chica, “Papers” la canción más cercana al pop que el músico ha realizado en años, y la más folk del álbum “Take Care (To Comb Your Hair)” que además pone punto final al mismo.

HAVALINA muerdesombra

 

HAVALINA

 

MUERDESOMBRA

 

ERNIE RECORDS   --  FEBRERO 2017

 

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Fran González

Apenas dos años después de la puesta en escena del que era su último trabajo, “Islas de Cemento” [2015], emerge desde el inframundo, hosco y contundente, “Muerdesombra” [2017], la nueva publicación de la banda madrileña Havalina. Entre un interminable número de colaboraciones, producciones y masterizaciones, el adalid de la banda, mister Cabezalí, ha rasgado segundos al reloj para aplicarse en otra de sus habilidades más admirables: la composición. Manteniendo intactas las señas de identidad de la banda, era el propio grupo el que nos adelantaba por redes sociales, que el sonido al que nos tenía acostumbrado Havalina sería “mancillado” por la cadencia de nuevos “juguetitos”. Sintetizadores que no tardaron en darse a conocer, incluso ya, en el que sería el primer single, “Más velocidad”. Teclados, como el Roland Juno-6 del 82, que sustituyen o conviven en perfecta armonía con los bajos demoledores en temazos como “Lazos Rotos”. Todo este universo de ilusión, lleno de personajes imaginarios, hermandades ocultas o viajes siderales, viene servido en parte de la mano del novelista norteamericano Brandon Sanderson. Guiños a trabajos del escritor que Manuel acomoda en canciones como “Abismoide”, “Nacidos de la Bruma” o “Alta Tormenta”. Un salto sin red ejecutado a la perfección en el que se combinan melodías pausadas con bases eléctricas, hasta alcanzar riffs “cabezalinos” que hacen que las partes suenen como un todo. Ansiosos quedamos por revelar cómo funcionarán estos nuevos cortes en uno de los fuertes de la banda: el directo.

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DINERO cero

 

DINERO

 

CERO

 

WARNER MUSIC SPAIN  --  ENERO 2017

 

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@pakitoserrano

Dinero vuelve a la carga con “Cero”, su cuarto LP, compuesto por diez canciones y editado con el sello Warner Music. “Cero” supone un punto y aparte, un nuevo comienzo en la carrera de Dinero quienes afrontan una consciente variación en su estilo en forma de cuarteto, tras la incorporación de bajista y guitarrista. En esta nueva etapa dejan atrás la contundencia e inmediatez de sus anteriores discos para ganar en matices, arreglos y capas de sonido: encontramos sintetizadores, teclados, percusiones, colaboraciones vocales y melodías y estribillos más pegadizos. El notable trabajo en la producción de Charlie Bautista y Sean Marholm junto con el gran saber hacer de Ekain Elorza a la batería compensan, en cierta manera, la bajada de revoluciones de los temas que resultan más cercanos al pop que al rock. Lo que podría entenderse como una evolución o una búsqueda de nuevos sonidos termina convirtiéndose en la pérdida de parte de la identidad de Dinero.

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